Surrealismo:
La palabra surrealista fue acuñada por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias, escrita en 1903 y estrenada en 1917. La Primera Guerra Mundial dispersó a los escritores y artistas residentes en París, y entretanto, muchos se involucraron con el dadaísmo, creyendo que el pensamiento racional excesivo y los valores burgueses habían provocado el conflicto bélico mundial. Los dadaístas protestaron con reuniones, performances, escritos y obras de arte contra el arte. Tras la guerra, a su regreso a París, las actividades dadaístas continuaron. Durante la guerra, André Breton, con formación en medicina y psiquiatría, sirvió en un hospital neurológico donde utilizó los métodos psicoanalíticos de Sigmund Freud con soldados que sufrían neurosis de guerra. Al conocer al joven escritor Jacques Vaché, Breton sintió que Vaché era el hijo espiritual del escritor y fundador de la patafísica, Alfred Jarry. Admiraba su actitud antisocial y su desprecio por la tradición artística establecida. Más tarde, Breton escribió: «En literatura, me sentí atraído sucesivamente por Rimbaud, Jarry, Apollinaire, Nouveau, Lautréamont, pero es a Jacques Vaché a quien más debo». De regreso a París, Breton se unió a las actividades dadaístas y fundó la revista literaria Littérature junto con Louis Aragon y Philippe Soupault. Comenzaron a experimentar con la escritura automática (escritura espontánea sin censurar sus pensamientos) y publicaron sus escritos, así como relatos de sueños, en la revista. Breton y Soupault profundizaron en el automatismo y escribieron Los campos magnéticos (1920).

Al seguir escribiendo, llegaron a creer que el automatismo era una mejor táctica para el cambio social que la forma dadaísta de atacar los valores prevalecientes. El grupo atrajo miembros adicionales y creció hasta incluir escritores y artistas de diversos medios como Paul Éluard, Benjamin Péret, René Crevel, Robert Desnos, Jacques Baron, Max Morise, Pierre Naville, Roger Vitrac, Gala Éluard, Max Ernst, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Man Ray, Hans Arp, Georges Malkine, Michel Leiris, Georges Limbour, Antonin Artaud, Raymond Queneau, André Masson, Joan Miró, Marcel. Duchamp, Jacques Prévert e Yves Tanguy. A medida que desarrollaban su filosofía, creían que el surrealismo defendería la idea de que las expresiones cotidianas y representativas son vitales e importantes, pero que el sentido de su ordenación debía estar abierto a todo el espectro de la imaginación, según la dialéctica hegeliana. También se inspiraron en la dialéctica marxista y en la obra de teóricos como Walter Benjamin y Herbert Marcuse. El trabajo de Freud con la asociación libre, el análisis de los sueños y el inconsciente fue fundamental para los surrealistas, quienes desarrollaron métodos para liberar la imaginación. Aceptaron la idiosincrasia, al tiempo que rechazaban la idea de una locura subyacente. Como proclamó posteriormente Salvador Dalí: «Solo hay una diferencia entre un loco y yo: yo no estoy loco». Además del uso del análisis de los sueños, enfatizaron que «se podían combinar dentro de un mismo marco elementos que normalmente no se encuentran juntos para producir efectos ilógicos y sorprendentes». Breton incluyó la idea de las yuxtaposiciones sorprendentes en su manifiesto de 1924, retomándola a su vez de un ensayo de 1918 del poeta Pierre Reverdy, que decía: «Una yuxtaposición de dos realidades más o menos distantes. Cuanto más distante y verdadera sea la relación entre las dos realidades yuxtapuestas, más fuerte será la imagen; mayor será su poder emocional y su realidad poética». El grupo aspiraba a revolucionar la experiencia humana en sus aspectos personales, culturales, sociales y políticos. Querían liberar a las personas de la falsa racionalidad, las costumbres y las estructuras restrictivas. Breton proclamó que el verdadero objetivo del surrealismo era "¡Viva la revolución social, y solo ella!". Con este objetivo, los surrealistas se alinearon en diversas ocasiones con el comunismo y el anarquismo. En 1924, dos facciones surrealistas declararon su filosofía en sendos Manifiestos Surrealistas. Ese mismo año se fundó la Oficina de Investigación Surrealista y comenzó a publicar la revista La Révolution surréaliste .

Manifiestos surrealistas Antes de 1924, se habían formado dos grupos surrealistas rivales. Cada grupo afirmó ser sucesor de una revolución iniciada por Guillaume Apollinaire. Un grupo, liderado por Yvan Goll, estaba formado por Pierre Albert-Birot, Paul Dermée, Céline Arnauld, Francis Picabia, Tristan Tzara, Giuseppe Ungaretti, Pierre Reverdy, Marcel Arland, Joseph Delteil, Jean Painlevé y Robert Delaunay, entre otros. El otro grupo, liderado por Breton, incluía a Louis Aragon, Robert Desnos, Paul Éluard, Jacques Baron, Jacques-André Boiffard, Jean Carrive, René Crevel y Georges Malkine, entre otros. Yvan Goll publicó el "Manifeste du surréalisme", el 1 de octubre de 1924, en su primer y único número de Surréalisme , dos semanas antes del lanzamiento del "Manifeste du surréalisme" de Breton, publicado por Éditions du Sagittaire, el 15 de octubre de 1924. Goll y Breton se enfrentaron abiertamente, llegando a pelearse literalmente en la Comédie des Champs-Élysées, por los derechos del término surrealismo. Al final, Breton ganó la batalla gracias a su superioridad táctica y numérica. Aunque la disputa sobre la anterioridad del surrealismo concluyó con la victoria de Breton, la historia del surrealismo a partir de ese momento quedaría marcada por fracturas, renuncias y rotundas excomuniones, con cada surrealista teniendo su propia visión del tema y sus objetivos, y aceptando en mayor o menor medida las definiciones planteadas por André Breton. El "Manifiesto Surrealista" de Breton de 1924 define los propósitos del surrealismo. Incluyó citas de las influencias en el surrealismo, ejemplos de obras surrealistas y un análisis del automatismo surrealista. Proporcionó las siguientes definiciones: Oficina de Investigación Surrealista La Oficina de Investigación Surrealista (Centrale Surréaliste) fue el centro de encuentro para escritores y artistas surrealistas, que mantuvieron debates y realizaron entrevistas. Investigaron el habla en estado de trance.

Expansión El movimiento de mediados de la década de 1920 se caracterizó por reuniones en cafés donde los surrealistas participaban en juegos de dibujo colaborativos, debatían las teorías surrealistas y desarrollaban diversas técnicas, como el dibujo automático. Breton inicialmente dudó de la utilidad de las artes visuales en el movimiento surrealista, ya que parecían menos maleables y abiertas al azar y al automatismo. Esta cautela se superó con el descubrimiento de técnicas como el frottage y la decalcomanía. Pronto se sumaron más artistas visuales, como Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró, Francis Picabia, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Alberto Giacometti, Valentine Hugo, Méret Oppenheim, Toyen, Kansuke Yamamoto y, más tarde, tras la Segunda Guerra Mundial, Enrico Donati. Aunque Breton admiraba a Pablo Picasso y Marcel Duchamp y los cortejó para que se unieran al movimiento, estos permanecieron en la periferia. También se sumaron más escritores, como el exdadaísta Tristan Tzara, René Char y Georges Sadoul. En 1925 se formó en Bruselas un grupo surrealista autónomo. El grupo incluía al músico, poeta y artista ELT Mesens, al pintor y escritor René Magritte, a Paul Nougé, a Marcel Lecomte y a André Souris. En 1927 se les unió el escritor Louis Scutenaire. Mantuvieron correspondencia regular con el grupo parisino, y en 1927 tanto Goemans como Magritte se trasladaron a París y frecuentaron el círculo de Breton. Los artistas, con raíces en el dadaísmo y el cubismo, la abstracción de Vasili Kandinsky, el expresionismo y el postimpresionismo, también se inspiraron en linajes más antiguos, como El Bosco, y en las llamadas artes primitivas e ingenuas. Los dibujos automáticos de André Masson de 1923 se utilizan a menudo como punto de partida para la aceptación de las artes visuales y la ruptura con el dadaísmo, ya que reflejan la influencia de la idea del inconsciente. Otro ejemplo es el Torso de Giacometti de 1925 , que marcó su transición hacia formas simplificadas e inspiración en la escultura preclásica. Sin embargo, un ejemplo llamativo de la línea que separa el dadaísmo del surrealismo entre los expertos en arte es la comparación entre La pequeña máquina construida por Minimax Dadamax en persona (Von minimax dadamax selbst konstruiertes maschinchen) de 1925 y El beso (Le Baiser) de Max Ernst de 1927. Generalmente, se considera que la primera posee distancia y un subtexto erótico, mientras que la segunda presenta un acto erótico de forma abierta y directa. En la segunda, la influencia de Miró y el estilo de dibujo de Picasso es visible con el uso de líneas y colores fluidos, curvas e intersecciones, mientras que la primera adquiere una franqueza que posteriormente influiría en movimientos como el pop art. Giorgio de Chirico, y su desarrollo previo del arte metafísico, fue una de las figuras importantes que unió los aspectos filosóficos y visuales del surrealismo. Entre 1911 y 1917, adoptó un estilo representativo sin ornamentación cuya superficie sería adoptada por otros posteriormente. La Torre Roja (La tour rouge) de 1913 muestra los marcados contrastes de color y el estilo ilustrativo adoptado posteriormente por los pintores surrealistas. Su obra de 1914, La nostalgia del poeta (La Nostalgie du poète), presenta la figura de espaldas al espectador, y la yuxtaposición de un busto con gafas y un pez como relieve desafía la explicación convencional. También fue un escritor cuya novela Hebdomeros presenta una serie de paisajes oníricos con un uso inusual de la puntuación, la sintaxis y la gramática, diseñado para crear una atmósfera y enmarcar sus imágenes. Sus imágenes, incluyendo escenografías para los Ballets Rusos, crearían una forma decorativa de surrealismo, e influirían en los dos artistas que estarían aún más estrechamente asociados con el surrealismo en la mente del público: Dalí y Magritte. Sin embargo, abandonaría el grupo surrealista en 1928. En 1924, Miró y Masson aplicaron el surrealismo a la pintura. La primera exposición surrealista, La Peinture Surréaliste , se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925. Exhibió obras de Masson, Man Ray, Paul Klee, Miró y otros. La muestra confirmó que el surrealismo tenía un componente en las artes visuales (aunque inicialmente se había debatido si esto era posible), y se utilizaron técnicas del dadaísmo, como el fotomontaje. Al año siguiente, el 26 de marzo de 1926, la Galerie Surréaliste inauguró con una exposición de Man Ray. Breton publicó Surrealismo y pintura en 1928, que resumió el movimiento hasta ese momento, aunque continuó actualizando la obra hasta la década de 1960.

Literatura surrealista La primera obra surrealista, según el líder Breton, fue Les Champs Magnétiques (mayo-junio de 1919). Littérature contenía obras automatistas y relatos de sueños. Tanto la revista como el portafolios mostraban su desdén por los significados literales dados a los objetos y se centraban más bien en los matices, las corrientes poéticas subyacentes presentes. No solo enfatizaban estas corrientes poéticas subyacentes, sino también las connotaciones y los matices que «existen en relaciones ambiguas con las imágenes visuales». Dado que los escritores surrealistas rara vez, o nunca, parecen organizar sus pensamientos y las imágenes que presentan, algunas personas encuentran difícil analizar gran parte de su obra. Sin embargo, esta noción es una comprensión superficial, impulsada sin duda por el énfasis inicial de Breton en la escritura automática como principal vía hacia una realidad superior. Pero, como en el caso de Breton, mucho de lo que se presenta como puramente automático está en realidad editado y muy "pensado". El propio Breton admitió posteriormente que se había exagerado la centralidad de la escritura automática, y se introdujeron otros elementos, especialmente a medida que la creciente participación de los artistas visuales en el movimiento forzaba la cuestión, ya que la pintura automática requería un conjunto de enfoques bastante más rigurosos. Así, se introdujeron elementos como el collage, surgidos en parte de un ideal de yuxtaposiciones sorprendentes, como se revela en la poesía de Pierre Reverdy. Y, como en el caso de Magritte (donde no hay un recurso evidente ni a las técnicas automáticas ni al collage), la propia noción de unión convulsiva se convirtió en una herramienta de revelación en sí misma. El surrealismo debía estar en constante cambio, ser más moderno que lo moderno, y por eso era natural que se produjera una rápida reorganización de la filosofía a medida que surgían nuevos desafíos. Los surrealistas reavivaron el interés por Isidore Ducasse, conocido por su seudónimo Comte de Lautréamont, y por la frase «bello como el encuentro casual en una mesa de disección de una máquina de coser y un paraguas», y por Arthur Rimbaud, dos escritores de finales del siglo XIX considerados precursores del surrealismo. Ejemplos de literatura surrealista son Le Pèse-Nerfs (1926) de Artaud, El coño de Irene (1927) de Aragón, Muerte a los cerdos (1929) de Péret, Mr. Knife Miss Fork (1931) de Crevel, El búho ciego (1937) de Sadegh Hedayat y Sur la route de San Romano (1948) de Breton. La Révolution surréaliste continuó publicándose hasta 1929, con la mayoría de sus páginas repletas de columnas de texto, pero también incluía reproducciones de obras de arte, entre ellas obras de De Chirico, Ernst, Masson y Man Ray. Otras obras incluían libros, poemas, panfletos, textos automáticos y tratados teóricos.

películas surrealistas Las primeras películas de los surrealistas incluyen: Entreacto de René Clair (1924), La Coquille et le clergyman de Germaine Dulac, guión de Antonin Artaud (1928), La estrella del mar de Man Ray (1928), Un perro andaluz de Luis Buñuel y Salvador Dalí (1929), La edad de oro de Buñuel y Dalí (1930), Le sang d'un poète de Jean Cocteau (1930)

Teatro surrealista La palabra surrealista fue utilizada por primera vez por Guillaume Apollinaire para describir su obra de 1917 Les Mamelles de Tirésias (Los pechos de Tiresias), que luego fue adaptada como ópera por Francis Poulenc. Antonin Artaud, uno de los primeros surrealistas, rechazó la mayor parte del teatro occidental por considerarla una perversión de su propósito original, que, según él, debía ser una experiencia mística y metafísica. Pensaba que el discurso racional comprendía «falsedad e ilusión». Al teorizar una nueva forma teatral inmediata y directa, que conectara el inconsciente de los intérpretes y los espectadores en una especie de ritual, Artaud creó el Teatro de la Crueldad, en el que las emociones, los sentimientos y lo metafísico se expresaban no a través del lenguaje, sino físicamente, creando una visión mitológica, arquetípica y alegórica, estrechamente relacionada con el mundo de los sueños. El otro gran artista teatral que experimentó con el surrealismo en el teatro fue el dramaturgo y director español Federico García Lorca, particularmente en sus obras El público (1930), Cuando pasan cinco años (1931) y Obra sin título (1935). Otras obras surrealistas incluyen Espaldas contra la pared (1925) de Aragon y Los misterios del amor (1927) y Víctor, o los niños toman el control (1928) de Roger Vitrac. La ópera de Gertrude Stein, El doctor Fausto enciende las luces (1938), también se ha descrito como «surrealismo americano», aunque también se relaciona con una forma teatral del cubismo.

Música surrealista En la década de 1920, varios compositores se vieron influenciados por el surrealismo o por figuras de este movimiento. Entre ellos se encontraban Bohuslav Martinů, André Souris, Erik Satie y Edgard Varèse, quien afirmó que su obra Arcana se inspiró en una secuencia onírica. Souris, en particular, estuvo vinculado al movimiento: mantuvo una larga relación con Magritte y colaboró ​​en la publicación de Paul Nougé, «Adieu Marie» . Germaine Tailleferre, del grupo francés Les Six, escribió varias obras que podrían considerarse inspiradas por el surrealismo, entre ellas el Ballet Paris-Magie de 1948 (con guion de Lise Deharme), las óperas La Petite Sirène (libro de Philippe Soupault) y Le Maître (libro de Eugène Ionesco). Tailleferre también compuso canciones populares con textos de Claude Marci, esposa de Henri Jeanson, cuyo retrato había sido pintado por Magritte en la década de 1930. Aunque en 1946 Breton respondió de forma bastante negativa al tema de la música con su ensayo " El silencio es oro" , surrealistas posteriores, como Paul Garon, se han interesado por el surrealismo y han encontrado paralelismos con él en la improvisación del jazz y el blues. Músicos de jazz y blues han correspondido ocasionalmente a este interés. Por ejemplo, la Exposición Mundial Surrealista de 1976 incluyó actuaciones de David Honeyboy Edwards.

Edad de oro A lo largo de la década de 1930, el surrealismo continuó ganando visibilidad para el público en general. Un grupo surrealista se desarrolló en Londres y, según Breton, su Exposición Internacional Surrealista de Londres de 1936 marcó un hito en la época y se convirtió en el modelo para las exposiciones internacionales. Mientras tanto, otro grupo surrealista inglés se desarrolló en Birmingham, distinguido por su oposición a los surrealistas londinenses y su preferencia por el núcleo francés del surrealismo. Ambos grupos se reconciliarían más adelante en la década. Dalí y Magritte crearon las imágenes más reconocidas del movimiento. Dalí se unió al grupo en 1929 y participó en la rápida consolidación del estilo visual entre 1930 y 1935. El surrealismo como movimiento visual había encontrado un método: exponer la verdad psicológica; despojar a los objetos ordinarios de su significado normal, para crear una imagen convincente que estuviera más allá de la organización formal ordinaria, con el fin de evocar empatía en el espectador. 1931 fue un año en el que varios pintores surrealistas produjeron obras que marcaron puntos de inflexión en su evolución estilística: La Voz del Espacio (La Voix des airs) de Magritte es un ejemplo de este proceso, donde tres grandes esferas que representan campanas cuelgan sobre un paisaje. Otro paisaje surrealista de este mismo año es el Palacio del Promontorio (Palais promontoire) de Yves Tanguy , con sus formas fundidas y líquidas. Las formas líquidas se convirtieron en el sello distintivo de Dalí, especialmente en La Persistencia de la Memoria , que presenta la imagen de relojes que se deforman como si se estuvieran derritiendo. Las características de este estilo —una combinación de lo representativo, lo abstracto y lo psicológico— llegaron a representar la alienación que muchas personas sentían en el período moderno, combinada con la sensación de llegar más profundamente a la psique, de "completarse con la propia individualidad". Entre 1930 y 1933, el Grupo Surrealista de París publicó el periódico Le Surréalisme au service de la révolution como sucesor de La Révolution surréaliste . De 1936 a 1938, Wolfgang Paalen, Gordon Onslow Ford y Roberto Matta se unieron al grupo. Paalen contribuyó con el Fumage y el Onslow Ford Coulage como nuevas técnicas pictóricas automáticas. Mucho después de que las tensiones personales, políticas y profesionales fragmentaran al grupo surrealista, Magritte y Dalí continuaron definiendo un programa visual en las artes. Este programa trascendió la pintura e incluso abarcó la fotografía, como se puede apreciar en un autorretrato de Man Ray, cuyo uso del ensamblaje influyó en las cajas de collage de Robert Rauschenberg. Durante la década de 1930, Peggy Guggenheim, una importante coleccionista de arte estadounidense, se casó con Max Ernst y comenzó a promover el trabajo de otros surrealistas como Yves Tanguy y el artista británico John Tunnard.

Grandes exposiciones en la década de 1930 1936 - Se organiza en Londres la Exposición Surrealista Internacional, organizada por el historiador de arte Herbert Read, con una introducción de André Breton. 1936 – El Museo de Arte Moderno de Nueva York muestra la exposición Arte fantástico, dadaísmo y surrealismo . 1938 - Se celebró una nueva Exposición Internacional del Surrealismo en la Galería de Bellas Artes de París, con más de 60 artistas de diferentes países, y se mostraron alrededor de 300 pinturas, objetos, collages, fotografías e instalaciones. Los surrealistas querían crear una exposición que en sí misma fuera un acto creativo y recurrieron a Marcel Duchamp, Wolfgang Paalen, Man Ray y otros para hacerlo. En la entrada de la exposición, Salvador Dalí colocó su Taxi Lluvioso (un viejo taxi manipulado para producir un chorro constante de agua por el interior de las ventanas, con una criatura con cabeza de tiburón en el asiento del conductor y un maniquí rubio repleto de caracoles vivos en la parte trasera) para saludar a los asistentes, quienes vestían trajes de etiqueta. La Calle Surrealista llenó un lateral del vestíbulo con maniquíes vestidos por varios surrealistas. Paalen y Duchamp diseñaron la sala principal para que pareciera una cueva subterránea, con 1200 sacos de carbón suspendidos del techo sobre un brasero con una sola bombilla como única fuente de iluminación, y el suelo cubierto de hojas húmedas y barro. Los asistentes recibieron linternas para contemplar las obras. En el suelo, Wolfgang Paalen creó un pequeño lago con hierbas y el aroma a café tostado impregnaba el aire. Para gran satisfacción de los surrealistas, la exposición escandalizó a los espectadores.

Gran Guerra y posguerra
La Segunda Guerra Mundial causó estragos no solo en la población europea en general, sino especialmente en los artistas y escritores europeos que se oponían al fascismo y al nazismo. Muchos artistas importantes huyeron a Norteamérica y encontraron relativa seguridad en Estados Unidos. La comunidad artística de la ciudad de Nueva York, en particular, ya estaba lidiando con las ideas surrealistas, y varios artistas como Arshile Gorky, Jackson Pollock y Robert Motherwell convergieron estrechamente con los propios artistas surrealistas, aunque con ciertas sospechas y reservas. Las ideas sobre el inconsciente y las imágenes oníricas fueron rápidamente adoptadas. Para la Segunda Guerra Mundial, el gusto de la vanguardia estadounidense en la ciudad de Nueva York viró decisivamente hacia el expresionismo abstracto con el apoyo de figuras clave, como Peggy Guggenheim, Leo Steinberg y Clement Greenberg. Sin embargo, no debe olvidarse fácilmente que el expresionismo abstracto surgió directamente del encuentro de artistas estadounidenses (en particular neoyorquinos) con surrealistas europeos autoexiliados durante la Segunda Guerra Mundial. En particular, Gorky y Paalen influyeron en el desarrollo de esta forma de arte estadounidense que, al igual que el surrealismo, celebraba el acto humano instantáneo como fuente de creatividad. La obra temprana de muchos expresionistas abstractos revela un estrecho vínculo entre los aspectos más superficiales de ambos movimientos, y la aparición (posteriormente) de aspectos del humor dadaísta en artistas como Rauschenberg arroja aún más luz sobre esta conexión. Hasta la aparición del arte pop, el surrealismo fue la influencia más importante en el repentino auge del arte estadounidense, e incluso en el pop se puede encontrar parte del humor surrealista, a menudo convertido en crítica cultural. La Segunda Guerra Mundial eclipsó, durante un tiempo, casi toda la producción intelectual y artística. En 1939, Wolfgang Paalen fue el primero en abandonar París rumbo al Nuevo Mundo como exiliado. Tras un largo viaje por los bosques de la Columbia Británica, se estableció en México y fundó su influyente revista de arte, Dyn. En 1940, Yves Tanguy se casó con la pintora surrealista estadounidense Kay Sage. En 1941, Breton viajó a Estados Unidos, donde cofundó la efímera revista VVV junto a Max Ernst, Marcel Duchamp y el artista estadounidense David Hare. Sin embargo, fue el poeta estadounidense Charles Henri Ford y su revista View quienes le ofrecieron a Breton un canal para promover el surrealismo en Estados Unidos. El número especial de View sobre Duchamp fue crucial para la comprensión pública del surrealismo en Estados Unidos. Se hizo hincapié en sus conexiones con los métodos surrealistas, se ofrecieron interpretaciones de su obra por parte de Breton, así como en la opinión de este último de que Duchamp representaba el puente entre los primeros movimientos modernos, como el futurismo y el cubismo, y el surrealismo. Wolfgang Paalen abandonó el grupo en 1942 debido a diferencias políticas y filosóficas con Breton. Aunque la guerra perturbó el surrealismo, las obras continuaron. Muchos artistas surrealistas, incluido Magritte, continuaron explorando su vocabulario. Muchos miembros del movimiento surrealista continuaron escribiéndose y reuniéndose. Si bien Dalí pudo haber sido excomulgado por Breton, no abandonó sus temas de la década de 1930, incluyendo referencias a la "persistencia del tiempo" en una pintura posterior, ni se convirtió en un pompier pictórico. Su período clásico no representó una ruptura tan marcada con el pasado como algunas descripciones de su obra podrían retratar, y algunos, como André Thirion, argumentaron que hubo obras suyas posteriores a este período que continuaron teniendo cierta relevancia para el movimiento. Durante la década de 1940, la influencia del surrealismo también se sintió en Inglaterra y Estados Unidos. Mark Rothko se interesó por las figuras biomórficas, y en Inglaterra, Henry Moore, Lucian Freud, Francis Bacon y Paul Nash utilizaron o experimentaron con técnicas surrealistas. Sin embargo, Conroy Maddox, uno de los primeros surrealistas británicos, cuya obra en este género databa de 1935, permaneció dentro del movimiento y organizó una exposición de obras surrealistas actuales en 1978 en respuesta a una muestra anterior que lo enfureció porque no representaba adecuadamente el surrealismo. La exposición de Maddox, titulada Surrealism Unlimited (Surrealismo ilimitado ), se celebró en París y atrajo la atención internacional. Presentó su última exposición individual en 2002 y falleció tres años después. La obra de Magritte se volvió más realista en la representación de objetos reales, manteniendo al mismo tiempo el elemento de yuxtaposición, como en Valores personales (Les Valeurs Personnelles) de 1951 y El imperio de la luz (L'Empire des lumières) de 1954. Magritte continuó produciendo obras que han entrado en el vocabulario artístico, como Castillo en los Pirineos (Le Château des Pyrénées), que remite a Voix de 1931, en su suspensión sobre un paisaje. Otras figuras del movimiento surrealista fueron expulsadas. Varios de estos artistas, como Roberto Matta (según su propia descripción), «se mantuvieron cercanos al surrealismo». Tras el aplastamiento de la Revolución Húngara de 1956, Endre Rozsda regresó a París para continuar creando su propio mundo, que había trascendido el surrealismo. El prefacio de su primera exposición en la Galería Fürstenberg (1957) fue escrito por Breton. Muchos artistas emergentes adoptaron explícitamente el surrealismo. Dorothea Tanning y Louise Bourgeois continuaron trabajando, por ejemplo, con el Rainy Day Canape de Tanning de 1970. Duchamp continuó produciendo esculturas en secreto, incluyendo una instalación con la representación realista de una mujer visible solo a través de una mirilla. Breton continuó escribiendo y defendiendo la importancia de la liberación de la mente humana, como con la publicación de La Torre de Luz en 1952. Su regreso a Francia después de la guerra marcó el inicio de una nueva fase de actividad surrealista en París, y sus críticas al racionalismo y al dualismo encontraron un nuevo público. Breton insistió en que el surrealismo era una rebelión continua contra la reducción de la humanidad a las relaciones de mercado, los gestos religiosos y la miseria, y en defender la importancia de la liberación de la mente humana.

Grandes exposiciones de los años 40, 50 y 60 1942 - Primeros Documentos del Surrealismo - Nueva York - Los surrealistas volvieron a recurrir a Duchamp para diseñar una exposición. Esta vez, tejió una red tridimensional de cuerdas por las salas, haciendo casi imposible, en algunos casos, ver las obras. Llegó a un acuerdo secreto con el hijo de un socio para que llevara a sus amigos a la inauguración de la muestra, de modo que, al llegar los elegantemente vestidos asistentes, se encontraron con una docena de niños con ropa deportiva pateando y pasándose pelotas, y saltando a la comba. Su diseño para el catálogo de la exposición incluía fotografías de los artistas, en lugar de posadas. 1947 - Exposición Surrealista Internacional - Galerie Maeght, París 1959 - Exposición Internacional Surrealista - París 1960 - Intrusión surrealista en el dominio de los encantadores - Nueva York

Surrealismo post-bretón No existe un consenso claro sobre el fin, o si existió, del movimiento surrealista. Algunos historiadores del arte sugieren que la Segunda Guerra Mundial disolvió el movimiento. Sin embargo, la historiadora del arte Sarane Alexandrian (1970) afirma que «la muerte de André Breton en 1966 marcó el fin del surrealismo como movimiento organizado». También se ha intentado vincular el obituario del movimiento con la muerte de Salvador Dalí en 1989. En la década de 1960, los artistas y escritores asociados con la Internacional Situacionista estaban estrechamente vinculados con el surrealismo. Mientras que Guy Debord criticaba y se distanciaba del surrealismo, otros, como Asger Jorn, utilizaban explícitamente técnicas y métodos surrealistas. Los sucesos de Mayo del 68 en Francia incluyeron varias ideas surrealistas, y entre los lemas que los estudiantes pintaron con aerosol en las paredes de la Sorbona se encontraban algunos surrealistas conocidos. Joan Miró lo conmemoraría en un cuadro titulado Mayo del 68. También hubo grupos asociados con ambas corrientes y más afines al surrealismo, como el Grupo Surrealista Revolucionario. En Europa y en todo el mundo desde la década de 1960, los artistas han combinado el surrealismo con lo que se cree que es una técnica clásica del siglo XVI llamada mischtechnik, una especie de mezcla de témpera al huevo y óleo redescubierta por Ernst Fuchs, contemporáneo de Dalí, y ahora practicada y enseñada por numerosos seguidores, entre ellos Robert Venosa y Chris Mars. El excurador del Museo de Arte Moderno de San Francisco, Michael Bell, ha llamado a este estilo "surrealismo verista", que representa con meticulosa claridad y gran detalle un mundo análogo al mundo onírico. Otros artistas de témpera, como Robert Vickrey, representan regularmente imágenes surrealistas. Durante la década de 1980, tras el Telón de Acero, el surrealismo volvió a la política con un movimiento artístico clandestino de oposición conocido como la Alternativa Naranja. Esta alternativa fue creada en 1981 por Waldemar Fydrych (alias «Major»), licenciado en historia e historia del arte por la Universidad de Breslavia. Utilizaron el simbolismo y la terminología surrealistas en sus grandes acontecimientos organizados en las principales ciudades polacas durante el régimen de Jaruzelski y pintaron grafitis surrealistas en lugares que ocultaban consignas contra el régimen. El propio Major fue autor de un «Manifiesto del Surrealismo Socialista». En este manifiesto, afirmaba que el sistema socialista (comunista) se había vuelto tan surrealista que podía considerarse una expresión artística en sí mismo. El arte surrealista también sigue siendo popular entre los visitantes de los museos. El Museo Guggenheim de Nueva York presentó la exposición " Dos Ojos Privados " en 1999, y en 2001 la Tate Modern presentó una exposición de arte surrealista que atrajo a más de 170.000 visitantes. En 2002, el Met de Nueva York presentó la muestra " Desire Unbound" y el Centro Georges Pompidou de París, la muestra " La Révolution surréaliste" . Los grupos surrealistas y las publicaciones literarias han seguido activos hasta la actualidad, con grupos como el Grupo Surrealista Checo, el Grupo Surrealista de Estocolmo y el Grupo Surrealista de Chicago. Jan Švankmajer, del grupo checo, continúa realizando películas y experimentando con objetos.

El impacto del surrealismo Si bien el surrealismo suele asociarse con las artes, se ha dicho que las trasciende; ha tenido impacto en muchos otros campos. En este sentido, el surrealismo no se refiere específicamente solo a quienes se autodenominan "surrealistas", ni a aquellos que Breton promovió, sino que se refiere a una gama de actos creativos de rebeldía y esfuerzos por liberar la imaginación. Además de las ideas surrealistas basadas en las de Hegel, Marx y Freud, sus defensores lo consideran inherentemente dinámico y dialéctico en su pensamiento.
Otras fuentes utilizadas por los epígonos del surrealismo Los surrealistas también se han inspirado en fuentes tan diversas como Clark Ashton Smith, Montague Summers, Horace Walpole, Fantômas, The Residents, Bugs Bunny, las tiras cómicas, el desconocido poeta Samuel Greenberg y el escritor y humorista vagabundo T-Bone Slim. Podría decirse que las corrientes surrealistas se encuentran en movimientos como el jazz libre (Don Cherry, Sun Ra, Cecil Taylor, etc.) e incluso en la vida cotidiana de personas que se enfrentan a condiciones sociales limitantes. Concebido como el esfuerzo de la humanidad por liberar la imaginación como un acto de insurrección contra la sociedad, el surrealismo encuentra precedentes en los alquimistas, posiblemente Dante, El Bosco, el Marqués de Sade, Charles Fourier, el Conde de Lautréamont y Arthur Rimbaud.

disturbios de la década de 1960 Los surrealistas creen que las culturas no occidentales también constituyen una fuente continua de inspiración para la actividad surrealista, ya que algunas logran un mejor equilibrio entre la razón instrumental y la imaginación en movimiento que la cultura occidental. El surrealismo ha tenido un impacto visible en la política radical y revolucionaria, tanto directamente —como en el caso de algunos surrealistas que se unen o se alinean con grupos, movimientos y partidos políticos radicales— como indirectamente —a través de la forma en que los surrealistas enfatizan el vínculo íntimo entre la liberación de la imaginación y la mente, y la liberación de las estructuras sociales represivas y arcaicas—. Esto fue especialmente visible en la Nueva Izquierda de las décadas de 1960 y 1970 y en la revuelta francesa de Mayo del 68, cuyo lema «Todo el poder a la imaginación» surgió directamente del pensamiento y la práctica surrealistas franceses.

Posmodernismo y cultura popular Muchos movimientos literarios importantes de la segunda mitad del siglo XX se vieron influenciados directa o indirectamente por el surrealismo. Este período se conoce como la era posmoderna; aunque no existe una definición central ampliamente consensuada del posmodernismo, muchos temas y técnicas comúnmente identificados como posmodernos son prácticamente idénticos al surrealismo. Muchos escritores de la Generación Beat y asociados con ella recibieron una gran influencia del surrealismo. Philip Lamantia y Ted Joans suelen clasificarse como escritores beat y surrealistas. Muchos otros escritores beat muestran evidencia significativa de influencia surrealista. Algunos ejemplos incluyen a Bob Kaufman, Gregory Corso, Allen Ginsberg y Lawrence Ferlinghetti. Artaud, en particular, influyó mucho en muchos beats, pero especialmente en Ginsberg y Carl Solomon. Ginsberg cita "Van Gogh: El hombre suicidado por la sociedad" de Artaud como una influencia directa en "Aullido", junto con "Zona" de Apollinaire, "Oda a Walt Whitman" de García Lorca y "Primiititiii" de Schwitters. La estructura de la "Unión Libre" de Breton tuvo una influencia significativa en el "Kaddish" de Ginsberg. En París, Ginsberg y Corso conocieron a sus héroes Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Man Ray y Benjamin Péret, y para mostrar su admiración Ginsberg besó los pies de Duchamp y Corso le cortó la corbata. William S. Burroughs, miembro central de la Generación Beat y novelista posmoderno, desarrolló la técnica del cut-up junto con el ex surrealista Brion Gysin (en la que se usa el azar para dictar la composición de un texto a partir de palabras recortadas de otras fuentes), refiriéndose a ella como la "Alondra surrealista" y reconociendo su deuda con las técnicas de Tristan Tzara. El novelista posmoderno Thomas Pynchon, también influenciado por la narrativa beat, experimentó desde la década de 1960 con la idea surrealista de yuxtaposiciones sorprendentes. Al comentar sobre la «necesidad de manejar este procedimiento con cierto cuidado y destreza», añadió que «cualquier combinación de detalles no sirve. Spike Jones, Jr., cuyas grabaciones orquestales de su padre tuvieron un profundo e indeleble impacto en mí de niño, dijo en una entrevista: «Una de las cosas que la gente no comprende sobre el estilo musical de papá es que, cuando se reemplaza un do sostenido por un disparo, tiene que ser un disparo en do sostenido o suena fatal». Muchos otros escritores de ficción posmoderna han sido influenciados directamente por el surrealismo. Paul Auster, por ejemplo, ha traducido poesía surrealista y afirmó que los surrealistas fueron «un verdadero descubrimiento» para él. Salman Rushdie, al ser llamado realista mágico, afirmó que veía su obra, en cambio, «aliada al surrealismo». Para la obra de otros posmodernistas, como Donald Barthelme y Robert Coover, es común una comparación general con el surrealismo. El realismo mágico, una técnica popular entre los novelistas de la segunda mitad del siglo XX, especialmente entre los escritores latinoamericanos, presenta similitudes obvias con el surrealismo, con su yuxtaposición de lo normal y lo onírico, como en la obra de Gabriel García Márquez. Carlos Fuentes se inspiró en la voz revolucionaria de la poesía surrealista y señala la inspiración que Breton y Artaud encontraron en su tierra natal, México. Si bien el surrealismo influyó directamente en el realismo mágico en sus inicios, muchos escritores y críticos del realismo mágico, como Amaryll Chanady y SP Ganguly, si bien reconocen las similitudes, citan las numerosas diferencias que la comparación directa entre el realismo mágico y el surrealismo oculta, como el interés por la psicología y los artefactos de la cultura europea, que, según afirman, no está presente en el realismo mágico. Un ejemplo destacado de un escritor del realismo mágico que señala al surrealismo como una influencia temprana es Alejo Carpentier, quien posteriormente criticó la delimitación surrealista entre lo real y lo irreal, por no representar la verdadera experiencia sudamericana. Individuos y grupos surrealistas intentaron continuar con el surrealismo después de la muerte de André Breton en 1966. El Grupo Surrealista de París original fue disuelto por su miembro Jean Schuster en 1969.

Teatro El teatro surrealista y el "Teatro de la Crueldad" de Artaud inspiraron a muchos dentro del grupo de dramaturgos que el crítico Martin Esslin denominó "Teatro del Absurdo" (en su libro homónimo de 1963). Aunque no se trataba de un movimiento organizado, Esslin agrupó a estos dramaturgos basándose en algunas similitudes temáticas y técnicas; Esslin argumenta que estas similitudes podrían atribuirse a una influencia surrealista. Eugène Ionesco, en particular, era un gran aficionado al surrealismo, llegando a afirmar que Breton era uno de los pensadores más importantes de la historia. Samuel Beckett también era un gran aficionado a los surrealistas, llegando incluso a traducir gran parte de su poesía al inglés. Otros dramaturgos notables a quienes Esslin agrupa bajo este término, como Arthur Adamov y Fernando Arrabal, fueron en algún momento miembros del grupo surrealista.

Feminista Las feministas han criticado el surrealismo en el pasado, alegando que es fundamentalmente un movimiento y una comunidad masculina. Las críticas feministas creen que adopta actitudes arcaicas hacia las mujeres, como venerarlas simbólicamente mediante estereotipos y normas sexistas. A menudo se las convierte en representantes de valores superiores y se las transforma en objetos de deseo y misterio. Un pionero de la crítica feminista del surrealismo fue Xavière Gauthier, cuyo libro, Surréalisme et sexualité (1971), inspiró nuevos estudios sobre la marginación de las mujeres en relación con la vanguardia. Esta perspectiva fue anticipada y criticada por malinterpretar el propósito del surrealismo como crítica social y reflexión sobre las presuposiciones individuales para cuestionarlas críticamente. Wolfgang Paalen fue finalmente el único surrealista que defendió el feminismo, aunque en un sentido muy arcaico. Sin embargo, fue Leonora Carrington quien calificó a Paalen como «la única feminista de todo el grupo». La historiadora del arte Whitney Chadwick ha refutado la crítica al surrealismo: «El surrealismo también combatió las instituciones sociales —la iglesia, el estado y la familia— que regulan el lugar de la mujer dentro del patriarcado. Al ofrecer a algunas mujeres su primer espacio de resistencia artística y social, se convirtió en el primer movimiento modernista en el que un grupo de mujeres pudo explorar la subjetividad femenina y dar forma (aunque fuera de forma tímida) a un imaginario femenino». freudiano Freud inició la crítica psicoanalítica del surrealismo con la observación de que lo que más le interesaba de los surrealistas no era su inconsciente, sino su consciencia. Su intención era que las manifestaciones y experimentos con el automatismo psíquico, destacados por los surrealistas como la liberación del inconsciente, estaban altamente estructurados por la actividad del yo, similar a las actividades de la censura onírica en los sueños, y que, por lo tanto, era en principio un error considerar los poemas y otras obras de arte surrealistas como manifestaciones directas del inconsciente, cuando en realidad estaban altamente moldeados y procesados ​​por el yo. Desde esta perspectiva, los surrealistas pudieron haber estado produciendo grandes obras, pero eran productos de la mente consciente, no del inconsciente, y se engañaron a sí mismos respecto a lo que hacían con el inconsciente. En el psicoanálisis propiamente dicho, el inconsciente no se expresa automáticamente, sino que solo puede descubrirse mediante el análisis de la resistencia y la transferencia en el proceso psicoanalítico. (alchetron.com)

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