Pop: Varios

Eddie Brickell:
Asistió a la Southern Methodist University durante un año y medio antes, en 1985, una noche en un bar tomó la decisión de subir al escenario con una banda local, New Bohemians. A finales de los ochenta, Brickell era la líder vocal del grupo Edie Brickell & New Bohemians, cuyo álbum debut en 1988 Shooting Rubberbands at the Stars fue un éxito tanto para la crítica musical como para la industria. El álbum siguiente de la banda, Ghost of a Dog (1990), no fue tan exitoso. La banda fue más conocida por su éxito de 1988 What I Am. Los New Bohemians se separaron y Eddie se casó con Paul Simon, con el que tuvo un hijo. Como artista en solitario, Brickell lanzó su álbum Picture Perfect Morning (1994) y Volcano (2003). En 2006 se reunió con algunos miembros de la banda original de New Bohemians y realizaron el álbum Stranger Things. Tuvo un pequeño papel como cantante folk en la película Nacido el 4 de julio (Oliver Stone, 1989). Su versión del tema de Bob Dylan A Hard Rain's a-Gonna Fall aparece en la banda sonora de la película. El video Good Time fue incluido como parte de ejemplos multimedia del CD de instalación del Windows 95.

The Cowboy Junkies:
Michael (guitarra), Peter y Margo Timmins junto a Alan Anton. Se formaron en 1985. Tres años más tarde grabaron The Trinity Session. Sonido que encuentra sus raíces en la tradición country y folk, con matices que hacen del suyo un sonido personalísimo: tempos lentos y letárgicos, lánguidas guitarras, y la evocativa, preciosa voz de Margo Timmins. «Cuando empezamos, nuestro principal objetivo no era durar mucho como grupo, sino que lo hiciera la musica», afirma el compositor y guitarrista Michael Timmins. «Teníamos la esperanza de que nuestra sinceridad se contemplara a través de las canciones». Diez años más tarde aparece en el mercado Open, posiblemente el disco más duro que hayan grabado nunca, y que muestra todas las caras del grupo: hipnótico, reflectivo, tranquilo y a la vez dinámico y rockero. Open es un disco que habla del paso del tiempo, de hacerse mayor, de crecer. Michael apunta que «es un disco que abarca el hecho de cuando llegas a la conclusión, un día a las tres de la madrugada, que tarde o temprano morirás». El último lanzamiento de Cowboy Junkies para una multinacional antes de decidir que debían seguir su camino por entre sellos independientes fue Miles from our home, editado por Geffen en 1998, durante el periodo en que fueron absorbidos por Universal. Fue frustrante, todo aquel que estuvo ligado a nuestro disco, a nuestro proyecto, despareció de nuestras vidas. De repente no había nadie para trabajar en ese disco (Michael Timmins). Fue entonces cuando el grupo decidió reactivar Latent, el sello que Michael y Alan habían creado a principios de los ochenta para dar salida a sus proyectos de entonces. El pequeño sello había editado los dos primeros discos de la banda, y «Open» representa su tercer lanzamiento en dos años. Los otros dos fueron Rarities, B Sides and Slow Sad Waltzes en 1999, y el directo Waltz across America el año pasado. «Tocamos muchísimo mejor que cuando empezamos, pero seguimos siendo los Cowboy Junkies, sin ninguna duda».

Suzanne Vega:
Su trayectoria de se caracteriza por la inquietud y lo poco prolífico de su producción. 22 años después de su debut sólo ha publicado siete álbumes de estudio, más dos recopilatorios. Su primer disco fue homónimo y se lanzó en 1985 con buena acogida por parte de la crítica. Las ventas no fueron muy elevadas y se extrajeron dos sencillos principales, Marlene on the wall y Left of center. En el álbum se dejaban notar sus rasgos más distintivos como artista: la profundidad de las letras, que partían de la observación del mundo y a veces trataban acerca de temas poco habituales, su voz y su sonido cercano al estilo folk. Dos años más tarde, Suzanne Vega publicó Solitude standing, que supuso su despegue internacional gracias a su acercamiento a un sonido más pop y a los dos temas más reconocibles de su carrera, Tom's diner, en una primera versión cantada a capella y remasterizada después por el dúo británico DNA, y Luka, una canción acerca del maltrato infantil que escribió inspirándose en la figura de un niño de su antiguo barrio y que llegó al puesto #3 en las listas de Estados Unidos. En 1990 publicó Days of open hand, distanciándose de cualquier estilo comercial y priorizando las letras de las nuevas composiciones. A este álbum le siguieron 99.9ºF (1992) y Nine objects of desire (1996), en los que experimentó, respectivamente, con la electrónica y un tono más dulce y minimalista sin perder nunca sus señas de identidad. En el último se incluía el tema Caramel, que aparece en las bandas sonoras de las películas La verdad sobre perros y gatos y Closer. Después de cinco años en los que se centró en su vida familiar, y a raíz de su divorcio, volvió al estudio para grabar Songs in red and gray, que supone la vuelta al sonido original de su música y constituye uno de sus trabajos más intimistas hasta la fecha. Tres de sus temas giran alrededor de su entonces reciente ruptura. En 2003 se lanzó Retrospective: The best of Suzanne Vega, un recopilatorio de 21 canciones de toda su carrera incluyendo las de mayor éxito, tras lo cual A&M puso fin a su contrato. En los años siguientes Vega se dedicó a ofrecer conciertos y se involucró como locutora en una serie de programas radiofónicos (American Mavericks) acerca de los mejores compositores estadounidenses del S. XX, por el que recibió, como parte del equipo, el prestigioso premio Peabody Award. En julio de 2007 se publica el álbum de estudio Beauty & Crime en el que disecciona la vida de su ciudad, Nueva York, tras haber firmado con Blue Note Records. Tales from the Realm of the Queen of Pentacles, 2014 Lover, beloved: songs from an evening with Carson McCullers, 2016. An evening of New York songs and stories, 2020. Flying with Angels, 2025. https://open.spotify.com/intl-es/album/3UPEugvO6SIc10gYad5IWg?si=MA9SgugmQseZIHsv_A9UsA

Sade:
De madre inglesa y padre nigeriano, a los cuatro años se fue con su madre a vivir a Inglaterra, cuando ésta se separó de su padre. Durante su adolescencia no paraba de escuchar discos de Nina Simone, Peggy Lee y Astrud Gilberto. Este estilo de música la fascinaba. Ella todavía no pensaba en cantar en aquella época, sino en estudiar moda en la facultad de Saint Martin, y sólo se decide a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crean un grupo "hasta que encuentren una cantante". Sus estudios de diseño la llevaron a abrir una boutique, pero su amor por la música la llevó a cantar en un grupo funky de cierto carácter latino que respondía al nombre de Arriva. Desde ese momento descubrió un extraño placer al escribir letras. Más tarde esta banda pasó a llamarse Pride y luego cambió a Sade, que es una abreviatura de Folasade. Y con Sade comenzó a conocerse también a su vocalista. La banda consigue firmar un contrato en 1984, y se convierte en el espectáculo de los clubs de la capital inglesa, en gran parte gracias a la belleza de su cantante que se vería reflejada en revistas de tirada internacional como Vogue, Cosmopolitan, Times... y en pocos meses se convirtió en la reina del cool. En 1984 su primer sencillo "Your love is king" pasó a ser un éxito dentro de los Top Ten. Y de manera bastante repentina Sade se convirtió también en un símbolo. Sólo un año después se convirtió en uno de los pocos artistas que han aparecido en la portada de la revista Time. Diamond Life (1984): Se dirigía a una audiencia mundial. Este contenía sencillos de éxito como "Your love is king", "Smooth Operator" y "Hang on to your love", y el disco permaneció 98 semanas en las listas británicas y 81 semanas en las listas americanas. Sade recibió el premio BPI al mejor álbum y un Grammy a la mejor nueva artista. Después de "Diamond life" en 1985 llegó "Promise", un rico y evocador segundo álbum que cosechó éxitos como "Is it a crime" y "The sweetest taboo", que ha sido uno de los temas más oídos en la historia de la radio. Al igual que su predecesor, éste también fue un éxito internacional que recibió un disco multiplatino. Stronger than pride (1988): Album de éxito que contenía sencillos memorables como "Paradise", "Love is stronger than pride" y "Nothing can come between us". Con el álbum llegó una gira por todos los continentes, incluida Europa, Australia y Japón y que supuso la primera gira a gran escala por América. A lo largo de su trayectoria, el grupo siempre ha contado con una audiencia diversa, multiracial, que se siente atraída por el amplio concepto de música que tiene el grupo. Love Deluxe (1992): Album audaz y emocionalmente honesto que se ganó la aclamación comercial y de la crítica. En América permaneció 90 semanas en las listas, mientras que el sencillo "No ordinary love", tenía una amplia aparición en la película protagonizada por Robert Redford "Proposición Indecente". En 1994 llegó el "Best of Sade", que incluía 16 temas. Ahora edita "Lovers Rock", ocho años después de su último trabajo y con unas ventas en su haber de 40 millones de discos. Sus dos siguientes discos fueron Lovers Rock (2000) y Soldier of Love (2010). Durante una época a principios de los años 90, la cantante vivió en Madrid con el director de documentales Carlos Scola Pliego. Tiene una hija, Ila, nacida el 21 de julio de 1996, fruto de la relación con un músico y productor jamaicano al que conoció en Londres, Bob Morgan. La niña la acompaña en un corte de su último disco. En los últimos años ha llevado una vida tranquila en la campiña inglesa (en un pueblo cerca de Stroud, en Gloucestershire) junto a su hija, su novio desde hace cuatro años, Ian Watts, un químico que fue marine de la Armada Real Británica, y el hijo de éste, Jack, de 18 años.

Natalie Merchant:
Natalie Anne Merchant (n. 26 de octubre de 1963 en Jamestown, Nueva York) es una cantante, instrumentista y compositora. Merchant fue la primera voz de la banda 10.000 Maniacs entre 1981 y 1993. Luego emprendió una exitosa carrera como solista. Su primer álbum solista Tigerlily (1995) tuvo tres éxitos en las listas Top 40: Carnival, Jealousy, y Wonder. En 1998 grabó Ophelia y al año siguiente Live in Concert. En 2001 presentó su disco más aclamado por la crítica, Motherland, y realizó extensas giras por Norteamérica y Europa. En 2003 grabó un álbum folk de canciones tradicionales llamado The House Carpenter's Daughter. Toca el piano y ha escrito y producido casi todas sus canciones. Su trabajo toca temas sociales y políticos. Está casada y tiene una hija. Leave Your Sleep fue publicado en 2010.

Alanis Morissette:
Alanis Nadine Morissette (Ottawa, 1 de junio de 1974) es una cantante, compositora, guitarrista, productora y actriz ocasional. Posee el tipo de voz correspondiente a una mezzosoprano. Está posicionada como una de las artistas de mayores ventas en la historia, debido en gran parte a su tercer álbum Jagged little pill, con 30 millones de copias vendidas, convirtiendose en el Álbum Debut de una artista femenina mas vendido de la historia y uno de los álbumes más exitosos de todos los tiempos. Además de haber sido incluido en la Lista de los 500 Mejores Álbumes de la Historia segun la revista "Rolling Stone". A lo largo de su carrera ha sido galardonada con siete Premios Grammy, incluyendo Álbum del año en 1996 y doce premios Juno. En el 2002 la ONU le otorgó el premio “Global Tolerance Award" por su "gran labor en promover la tolerancia". Adquirió la nacionalidad estadounidense conservando la canadiense.

Portadas: Dibujantes de cómics:
Robert Crumb: Este influyente artista del cómic underground es conocido por haber diseñado la portada del álbum "Cheap Thrills" de Big Brother and the Holding Company, con Janis Joplin. Alex Ross: Conocido por su estilo pictórico y realista, Ross diseñó la portada del álbum "Music of Mass Destruction" de la banda de heavy metal Anthrax. Todd McFarlane: El creador de "Spawn", diseñó la portada del álbum "Follow the Leader" de la banda de nu-metal Korn. Greg Capullo: Otro artista reconocido por su trabajo en "Spawn" y "Batman", también colaboró con Korn en la portada de "Follow the Leader" y con la banda de heavy metal Iced Earth. Dave Gibbons: Famoso por ser el co-creador y dibujante de "Watchmen", Gibbons creó la portada del álbum "K" de la banda de rock psicodélico Kula Shaker. Charles Burns: El creador de "Black Hole", aportó su distintivo estilo al álbum "Brick by Brick" de Iggy Pop. Jaime Hernandez: Uno de los creadores de la aclamada serie de cómics alternativos "Love and Rockets", diseñó la portada del álbum "All That We Let In" de las Indigo Girls. John Byrne: Reconocido por su trabajo en "X-Men" y "Fantastic Four", Byrne es el artista detrás de la portada del icónico álbum de Joe Satriani, "Surfing with the Alien". Dave McKean: Conocido por sus colaboraciones con Neil Gaiman, incluyendo las portadas de "The Sandman", McKean ha trabajado en portadas para artistas como Stabbing Westward. Raymond Pettibon: Aunque su trabajo a menudo se asocia con la escena del punk rock, sus dibujos con influencia del cómic adornan la portada del álbum "Goo" de Sonic Youth. Mauro Entrialgo: En España, el dibujante y humorista gráfico es conocido por haber creado decenas de portadas para artistas como The Pleasure Fuckers, Doctor Explosión y Jorge Drexler.

Swamp Rock:
Uno de los subgéneros más atmosféricos y fascinantes del rock. Se caracteriza por su sonido crudo, ritmos hipnóticos y letras que a menudo evocan el misterio, la humedad y el folclore del sur de Estados Unidos, especialmente de los pantanos de Luisiana y el delta del Misisipi. Aquí tienes los músicos y bandas más importantes del género, desde sus pilares hasta sus influencias. Creedence Clearwater Revival (CCR): Son, sin lugar a dudas, los reyes del Swamp Rock. Aunque eran de California, John Fogerty (su líder, cantante y compositor) tenía una habilidad única para crear canciones que sonaban como si hubieran sido escritas en un porche de una cabaña en el bayou. Su uso del trémolo en la guitarra, su voz rasgada y sus letras sobre ríos, pantanos y la vida sureña son la quintaesencia del género. Canciones clave: "Born on the Bayou", "Green River", "Bad Moon Rising", "Lodi".
Tony Joe White: Conocido como el "Swamp Fox" (el Zorro del Pantano), es quizás el artista más auténtico del género. Su voz es increíblemente profunda y grave, y su estilo de guitarra es minimalista y lleno de "funk". Sus canciones son historias, a menudo sobre personajes y situaciones extrañas del sur profundo. Canciones clave: "Polk Salad Annie", "Rainy Night in Georgia", "Roosevelt and Ira Lee".
Dr. John, The Night Tripper: Su música es una mezcla única de Swamp Rock, R&B de Nueva Orleans, psicodelia y vudú. Su álbum de debut, Gris-Gris (1968), es una obra maestra del género, un viaje hipnótico y oscuro al corazón místico de Luisiana. Canciones clave: "I Walk on Guilded Splinters", "Gris-Gris Gumbo Ya Ya", "Right Place, Wrong Time" (esta última más funk, pero con la misma esencia). Contemporáneos Esenciales y Artistas Relacionados: Estos artistas, aunque no siempre se les etiqueta exclusivamente como "Swamp Rock", fueron cruciales para el desarrollo del sonido y comparten muchas de sus características. Little Feat: Liderados por el genial Lowell George, su música era una mezcla increíblemente original de rock, funk, country y blues con un inconfundible sabor sureño. El uso magistral de la guitarra slide por parte de George es una de sus señas de identidad. Canciones clave: "Dixie Chicken", "Willin'", "Fat Man in the Bathtub". The Band: Aunque su música es más amplia y se considera "Americana" o "Roots Rock", muchas de sus canciones tienen esa sensación terrenal, rústica y sureña que es fundamental en el Swamp Rock. Su instrumentación y sus historias sobre personajes rurales conectan directamente con el género. Canciones clave: "Up on Cripple Creek", "The Weight", "The Night They Drove Old Dixie Down".
Los pioneros que sentaron las bases del género en los años 50, antes de que el término existiera. Dale Hawkins: Su canción de 1957, "Suzie Q", es considerada por muchos como el prototipo del Swamp Rock. Tiene un riff de guitarra crudo y pantanoso que fue una gran influencia (CCR hizo una famosa versión de ella). Link Wray: Aunque es más conocido como un pionero del rock and roll instrumental, su uso de la distorsión y el trémolo en canciones como "Rumble" creó una atmósfera oscura y amenazante que se convirtió en parte del ADN del Swamp Rock.

Carmina Burana y el nazismo:
La relación de la cantata Carmina Burana de Carl Orff con el nazismo es uno de los temas más complejos y debatidos de la musicología del siglo XX. No es una relación simple de "obra nazi" o "música de resistencia", sino una historia llena de ambigüedad. 1. Composición y Estreno en la Alemania Nazi: * Contexto: Carl Orff compuso Carmina Burana entre 1935 y 1936, y se estrenó en Frankfurt en 1937. Esto sitúa su creación y su primer éxito directamente bajo el régimen del Tercer Reich. * Fuente del Material: La obra se basa en una colección de poemas y cantos goliardos de los siglos XI, XII y XIII, encontrados en un manuscrito en un monasterio de Baviera (Alemania). El origen alemán y medieval del material era, en principio, compatible con la ideología nazi, que exaltaba un pasado germánico idealizado. 2. La Reacción Inicial del Régimen Nazi: Sospecha y Crítica. * "Música Degenerada": Al principio, Carmina Burana fue recibida con sospecha por los ideólogos nazis más estrictos. Su música fue criticada por sus ritmos "primitivos", su fuerte percusión y sus influencias de Stravinsky, elementos que los nazis asociaban con el modernismo y la "música degenerada" (entartete Musik). * Contenido "Inmoral": Los textos, que celebran abiertamente el vino, el amor carnal y los placeres terrenales en un latín a veces vulgar, fueron considerados por algunos como moralmente cuestionables y no acordes con la disciplina que el régimen quería imponer. El propio Joseph Goebbels expresó su disgusto inicial. 3. La Aceptación Posterior: Una Obra Útil para la Propaganda. * Éxito Popular: A pesar de las críticas iniciales, la obra fue un éxito rotundo entre el público. Su poder rítmico y su grandiosidad melódica eran innegables. * Grandiosidad y Monumentalidad: El coro de apertura y cierre, "O Fortuna", con su carácter épico y monumental, encajaba perfectamente con la estética nazi de lo grandioso y lo abrumador. * Exaltación de lo "Pagano" y lo "Folclórico": Los temas de la obra (la primavera, la naturaleza, el destino, la vida comunitaria en la taberna) podían ser interpretados como una celebración de las raíces paganas y folclóricas del pueblo alemán, algo que el nazismo también promovía. * Un Sustituto "Ario": El régimen necesitaba nuevas obras de compositores "arios" para reemplazar la música prohibida de compositores judíos (como Mendelssohn o Mahler) y modernistas. Carmina Burana se convirtió en la obra alemana contemporánea más famosa y exitosa de la época, y el régimen no pudo ignorarla. Finalmente, la abrazaron como un ejemplo de la nueva cultura alemana. 4. La Ambivalencia de Carl Orff: * Ni Miembro del Partido ni Resistente: Carl Orff nunca fue miembro del partido nazi, pero tampoco fue un opositor activo al régimen. Fue un compositor que buscó, sobre todo, continuar su carrera. * Oportunismo: Orff aceptó encargos del régimen, como la composición de música para una producción de El sueño de una noche de verano de Shakespeare, con el objetivo explícito de reemplazar la famosa música incidental del compositor judío Felix Mendelssohn. Este es uno de los actos que más se le critican. * Autoprotección: Tras la guerra, durante su proceso de "desnazificación", Orff intentó presentarse como un miembro de la resistencia, alegando una amistad con Kurt Huber, uno de los líderes del grupo de resistencia "La Rosa Blanca". Sin embargo, los historiadores han demostrado que esta afirmación era, como mínimo, una exageración para limpiar su imagen. No es una obra nazi en su contenido o intención. No fue compuesta para glorificar al partido. Sin embargo, su historia está inseparablemente ligada al Tercer Reich. Fue una obra que, por su estética monumental y sus temas de raíz folclórica, fue finalmente adoptada y utilizada por el régimen nazi a pesar de las reticencias iniciales. La relación de Orff con el nazismo fue de acomodación y oportunismo. Su principal objetivo era prosperar como compositor, y para ello navegó las peligrosas aguas de la política cultural nazi, lo que le ha valido críticas duraderas. La obra, por su parte, ha trascendido su complicado nacimiento para convertirse en una de las piezas corales más populares del mundo. (Gemini 2025)

Everything but the Girl [Tracey Thorn & Ben Watt]
1984 Eden 1984 Everything but the Girl 1985 Love Not Money 1986 Baby the Stars Shine Bright 1988 Idlewild 1990 The Language of Life 1991 Worldwide 1992 Acoustic 1994 Amplified Heart 1996 Walking Wounded 1999 Temperamental 2002 Like The Deserts Miss The Rain 2023 Fuse https://open.spotify.com/intl-es/album/5FQMRfSunEA660c3dYU2Mx?si=8BLXghOyTzSwSwB07LZeIQ fuse

The Corrs
1995: Forgiven, Not Forgotten 1997: Talk on Corners 2000: In Blue 2004: Borrowed Heaven 2005: Home 2015: White Light 2017: Jupiter Calling https://open.spotify.com/intl-es/album/1JifWi3bCvGr7MsdHYumjD?si=RElxo_O-SYu52rS466Mp6w white light https://open.spotify.com/intl-es/album/4PDOzu0hnutkaRB7n5VLM6?si=WCcnvhViQGa9M1swxXREDQ jupiter calling

Texas
Southside (1989) Mothers Heaven (1991) Ricks Road (1993) White On Blonde (1997) The Hush (1999) The Greatest Hits (2000) Careful What You Wish For (2003) Red Book (2005) The BBC Sessions (2007) The Conversation (2013) Jump on board (2017) Hi (2021)

Amália Rodrigues:
Los documentos oficiales indican que nació el 23 de julio, aunque Amália sostenía que su cumpleaños era en realidad el 1 de julio de 1920. Nació en la parroquia de Pena , en Lisboa, Portugal. Su familia materna tenía raíces en Souto da Casa, una parroquia de Fundão , en el centro de Portugal, donde el abuelo de Rodrigues trabajaba como herrero. En la iglesia parroquial de Fundão se conserva el certificado de bautismo de Rodrigues, documento que también se publicó en el Diario de Fundão tras la muerte de la cantante, a raíz de una investigación realizada por Salvado J. Travassos, quien también descubrió su certificado de nacimiento. Según el testimonio de José Filipe Duarte Gonçalves, su única hermana, Odette, nació en Lisboa (además de otro hijo que falleció). Rodrigues creció en la pobreza. Su infancia fue prácticamente miserable y se dedicó a trabajos ocasionales, como vender fruta en los muelles de Lisboa. Comenzó a cantar como aficionada alrededor de 1935. Su primera actuación profesional en un local de fado tuvo lugar en 1939, y pronto se convirtió en una invitada habitual en espectáculos de variedades. Por esa época conoció a Federico Valério, un compositor de formación clásica que reconoció de inmediato el potencial de Amália y compuso numerosas melodías especialmente diseñadas para su voz. Valério también se aventuró más allá de las tradiciones musicales del fado añadiendo acompañamientos orquestales. Algunas de esas obras son clásicos del fado hoy en día, como «Fado do Ciúme», «Ai Mouraria», «Que Deus Me Perdoe» y «Não Sei Porque Te Foste Embora». A principios de los años 40, Amália ya se había convertido en una cantante famosa en Portugal. Comenzó su carrera como actriz con su película debut en 1946 titulada 'Capas Negras', seguida de su película más conocida, 'Fado' (1947). Alcanzó popularidad más allá de Portugal, en países como España, Brasil (donde, en 1945, grabó sus primeros discos con el sello brasileño Continental), donde pasó un tiempo, y París (1949), donde residió. En 1950, durante sus actuaciones en los conciertos benéficos internacionales del Plan Marshall, presentó al público internacional la canción « April in Portugal », con su título original «Coimbra». A principios de la década de 1950, el mecenazgo del poeta portugués David Mourão-Ferreira marcó el inicio de una nueva etapa en su carrera: Rodrigues cantó con muchos poetas del país, y algunos escribieron letras específicamente para ella. Su relación con la poesía contribuyó a la transformación del fado tradicional y elevó este género musical, tradicionalmente asociado a la clase trabajadora lisboeta, a nuevas dimensiones, lo que propició que destacados poetas comenzaran a colaborar con ella y a escribir específicamente para ella. Rodrigues realizó giras internacionales en España (1943), Brasil (1945) con sus primeras grabaciones, Berlín (1950), México, Francia y muchos otros países, convirtiéndose en una estrella internacional en 1954. Fue la primera artista portuguesa en aparecer en la televisión estadounidense a través de la cadena ABC en 1953. También actuó en Hollywood, cantando en el Mocambo en 1954. También en 1954, la carrera internacional de Rodrigues recibió un gran impulso gracias a su participación en la película de Henri Verneuil , Los amantes de Lisboa (Les Amants du Tage) , donde tuvo un papel secundario. A finales de la década de 1950, Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia se convirtieron en sus principales mercados internacionales; seguidos por Japón e Italia en la década de 1970. En Francia era casi tan popular como en Portugal, y actuaba con frecuencia en el prestigioso teatro Olympia de París. Esto propició el lanzamiento del álbum Portugal's Great Amália Rodrigues Live at the Olympia Theatre in Paris, en 1957, con Monitor Records (ahora perteneciente a Smithsonian Folkways). A lo largo de los años, actuó prácticamente en todo el mundo, llegando incluso a la entonces Unión Soviética e Israel. En Francia, durante las décadas de 1950 y 1960, actuó con frecuencia en televisión y se convirtió en una artista muy conocida. El famoso Charles Aznavour incluso compuso un fado en francés especialmente para ella, «Aie Mourir Pour Toi», y también creó versiones francesas de sus propias canciones («Coimbra» se convirtió en «Avril au Portugal», entre otras). Actuó en el Olympia durante 10 temporadas, entre 1956 y 1992. Luego dijo que cantaría solo de vez en cuando, pero después de un año de ausencia, ya no pudo resistir el atractivo de la música. Regresó en 1962, concentrándose en grabar y actuar en vivo, para entonces a un ritmo más pausado. Su álbum de regreso, Amália Rodrigues de 1962 , fue su primera colaboración con el compositor francés Alain Oulman (1929-1990), quien se convertiría en su principal compositor y productor musical durante décadas. Oulman escribió melodías para ella que trascendieron las convenciones del fado. Oulman creó un álbum, también conocido como 'Busto' (Bust), con un tipo diferente de fado, con más extensiones y que añadía aspectos de la ópera tradicional: los legatos, la extensión de la voz. También en ese disco cantó sus propios poemas ('Estranha Forma de Vida') y poemas escritos por grandes poetas portugueses, como Pedro Homem de Mello, David Mourão-Ferreira y otros. Creó éxitos duraderos, que se convirtieron en clásicos y canciones inmortales en Portugal, como 'Povo Que Lavas no Rio', 'Maria Lisboa' y 'Abandono'. Oulman, un intelectual de izquierdas, fue arrestado por la policía política portuguesa (conocida como PIDE ) en 1966 y obligado al exilio, pero continuó contribuyendo con su música a Amália. Dejó tras de sí numerosas obras que ella se aseguró de grabar años después. Retomó su carrera artística cantando por todo el mundo, incluyendo Israel, el Reino Unido y Francia, y regresó a Estados Unidos para ofrecer conciertos itinerantes en Hollywood, en el Hollywood Bowl, y en Nueva York, acompañada por Andre Kostelanetz, tanto en 1966 como en 1968, cosechando un éxito extraordinario. También cantó en la antigua URSS, Rumania, entre muchos otros países. Continuó su carrera como actriz en películas como 'Sangue Toureiro' (1958) y 'Fado Corrido' (1964). Rodrigues apareció en la película de autor de Carlos Vilardebó de 1964 Las islas encantadas, basada en un cuento de Herman Melville . Su grabación de 1965 de poemas del poeta del siglo XVI Luís de Camões generó hectáreas de polémica en los periódicos. Su sencillo de 1968 Vou dar de beber à dor rompió todos los récords de ventas y su álbum de 1970 Com que voz ganó varios premios internacionales. Tras haber recibido el Premio de Cine de Portugal a la Mejor Actriz por 'Fado' en 1947, volvió a ser galardonada como Mejor Actriz de Cine de Portugal en 1965, por una película en la que no cantaba. Entre medias, incursionó en otros géneros: grabó algunas de sus viejas canciones con una orquesta, grabó un álbum con el saxofonista de jazz Don Byas, 'Encontro' (1968), y grabó un álbum de canciones estadounidenses con la orquesta de Norrie Paramor, 'Amália On Broadway', que incluye una interpretación de 'Summertime' y 'The Nearness of You'. Un álbum importante de la década de 1960 fue «Com Que Voz» (1969), que retomaba muchos de sus éxitos y añadía algunos más, todos con poemas de autores de habla portuguesa y música de Alain Oulman. Rodrigues se encontraba en la cima de su talento vocal e interpretativo durante los años sesenta. Durante la década de 1970, Rodrigues se centró en las presentaciones en vivo. Tras el 25 de abril de 1974, fue acusada falsamente de ser agente secreta del PIDE. Durante el gobierno de Salazar , Rodrigues había apoyado económicamente a algunos comunistas en ocasiones. Al mismo tiempo, había expresado cierta admiración por el propio Salazar. Como cantante, no se involucró en política, ni antes ni después de la Revolución. El régimen democrático la enalteció mucho más que la dictadura. Durante la década de 1970, Rodrigues tuvo éxito, especialmente en Italia y Japón. Grabó un álbum de canciones tradicionales italianas, 'A Una Terra Che Amo' (1973), y realizó versiones de sus propias canciones en italiano. Grabó actuaciones en directo en un álbum llamado 'Amália in Italia' (1978). Su regreso al estudio de grabación en 1977 fue con Cantigas numa Língua Antiga . Poco después, Rodrigues sufrió sus primeros problemas de salud, que la obligaron a alejarse de los escenarios por un breve período y a concentrarse en sus actuaciones, especialmente en Portugal. A estos problemas les siguieron dos álbumes muy personales: 'Gostava de Ser Quem Era' (1980) (literalmente 'Ojalá fuera quien era') y 'Lágrima' (1983): todas estas canciones fueron escritas por ella misma, ya que utilizó poemas de su propia autoría. Entre medias, volvió a cantar canciones de Federico Valerio en un álbum llamado 'Fado' (1982). En las décadas de 1980 y 1990 se consagró como una leyenda viva. Su último disco de estudio, Lágrima , se publicó en 1983. Le siguieron una serie de grabaciones inéditas o perdidas y dos recopilaciones de grandes éxitos. Rodrigues regresó al Olympia de París en 1985 para una serie de conciertos. Entre 1985 y 1994, cosechó un gran éxito internacional. Durante esos años ofreció conciertos en Francia, Italia, Japón, Países Bajos, Bélgica, Alemania, Brasil, Argentina, Israel, Estados Unidos y Portugal. En 1990, las celebraciones de su 50 aniversario comenzaron con un gran concierto en el Coliseu dos Recreios de Lisboa, a la edad de 69 años. Fue condecorada por el Presidente de la República en el escenario. Su voz había cambiado: era más grave, pero intensa. A pesar de una serie de problemas de salud que afectaron su voz, Rodrigues continuó grabando hasta 1990. Finalmente se retiró de las presentaciones en público, aunque su carrera ganó prestigio con una biografía oficial del historiador y periodista Vítor Pavão dos Santos y una serie de televisión de cinco horas que documentaba sus cincuenta años de carrera con raras imágenes de archivo (posteriormente condensadas en el documental de 90 minutos, El arte de Amália ). Su director, Bruno de Almeida , también produjo Amália, Live in New York City , una película de concierto de su actuación de 1990 en The Town Hall . En 1990, Rodrigues lanzó su último álbum de canciones originales, «Obsessão». En diciembre de 1994, a los 74 años, ofreció su último concierto durante los conciertos de Lisboa, Capital Europea de la Cultura, pero poco después, en 1995, se sometió a una operación de pulmón. Se realizaron programas especiales de televisión, entrevistas y homenajes. Publicó un nuevo álbum con grabaciones originales de las décadas de 1960 y 1970, «Segredo» (1997), y un libro con sus poemas, incluyendo los que había cantado: «Amália: Versos» (1997). En 1998, Rodrigues recibió un homenaje nacional en la Exposición Universal de Lisboa ( Expo '98 ), y en febrero de 1999 fue considerada una de las 25 personalidades más importantes de Portugal durante el período democrático. Poco después, grabó la que sería su última entrevista para televisión. La Cinemateca de París le rindió homenaje en abril de 1999 proyectando algunas de sus películas. El 6 de octubre de 1999, Rodrigues falleció a los 79 años en su casa de Lisboa. El gobierno portugués declaró de inmediato tres días de duelo nacional. Su casa, en la Rua de São Bento, es ahora un museo. Está enterrada en el Panteón Nacional junto a otras figuras destacadas de Portugal. Se le rindieron honores de Estado, a los que asistieron decenas de miles de personas, y posteriormente, en 2001, fue trasladada al Panteón nacional; la primera mujer en ser enterrada entre las figuras más importantes de Portugal, un honor excepcional otorgado por el Parlamento. Según su testamento, se creó la Fundación Amália Rodrigues . Esta fundación administra su legado y sus bienes, a excepción de sus derechos de autor, que legó a dos de sus sobrinos. Al momento de su fallecimiento en 1999, Rodrigues había recibido más de 40 condecoraciones y honores de Francia (incluida la Legión de Honor), Líbano, Portugal, España, Israel y Japón. En 2007, quedó en el puesto 14 en las elecciones portuguesas de Os Grandes Portugueses (Los Grandes Portugueses). Un año después, en 2008, se estrenó una película sobre su vida, Amália, en la que Sandra Barata la interpretó. La revista Variety consideró a Rodrigues como una de las voces del siglo. Sigue siendo una de las artistas y cantantes portuguesas con mayor proyección internacional y, en Portugal, un ícono nacional. Ella consolidó el fado como género musical a nivel mundial, y su obra continúa inspirando a otros intérpretes y cantantes, muchos de los cuales interpretan su repertorio. Rodrigues sigue siendo una de las artistas y cantantes más famosas de Portugal. Nació en una familia humilde y se convirtió en una de las mayores estrellas de Portugal, además de ser una artista y cantante reconocida internacionalmente. Su carrera abarcó 55 años y grabó canciones en varios idiomas (especialmente portugués, francés, inglés, español e italiano). Versiones de sus propias canciones, como "Coimbra" ("Abril en Portugal"), alcanzaron el éxito en países como Francia, Italia, Estados Unidos, Brasil, Argentina, España, México, Rumania, Japón y los Países Bajos, entre muchos otros. Los padres de Rodrigues tuvieron nueve hijos, pero solo dos llegaron a la edad adulta: Vicente y Filipe, José y António (todos fallecieron en la infancia), Amália, Celeste, Aninhas (quien falleció a los dieciséis años), Maria da Glória (quien falleció poco después de nacer) y Odete. En 1940, se casó con Francisco Cruz, un tornero y guitarrista aficionado, de quien se separó en 1943 y de quien se divorció en 1946. En 1961, en Río de Janeiro, se casó con César Seabra, un ingeniero brasileño (hijo de inmigrantes portugueses); permanecieron casados hasta la muerte de él en 1997.

Mísia:
Su madre era española y solía ser bailarina de cabaret, lo que explica muchas de las influencias que dieron forma a su música: el tango, el bolero , el uso de la guitarra portuguesa con acordeón, violín y piano. A lo largo de su carrera, Mísia desarrolló un nuevo estilo: modernizó el fado de Amália Rodrigues , escandalizando al público ortodoxo al añadir a los instrumentos tradicionales (bajo eléctrico, guitarra clásica y guitarra portuguesa) la sensualidad del acordeón y el violín, y al tomar prestados sus mejores versos de los más grandes poetas portugueses. Mísia 14MSIAquot OS VELHOS AMANTES quotFADOWORLD MUSIC YouTube Su primer álbum fue lanzado en 1990, en un momento en el que, incluso en Portugal, el fado era una mala elección profesional para un cantante. A excepción de Amália Rodrigues y Carlos do Carmo, no hubo público para los "fadistas". Sin embargo, Mísia grabó un álbum que respeta todas las características tradicionales del género, incluyendo poemas de compositores populares de fado, como Joaquim Frederico de Brito o José Niza, junto con poemas de famosos poetas portugueses, como José Carlos Ary dos Santos, e incluso una pieza de la canción de Vinicius de Moraes, " Samba em Prelúdio ". El álbum llevó su nombre, "Mísia", y fue muy bien recibido tanto por el público como por la crítica fuera de Portugal, principalmente en Francia. Al álbum le siguió "Fado" en 1993, en el que mantuvo su decisión de utilizar letras de escritores y poetas populares. Esta vez cantó canciones de Sérgio Godinho ("Liberdades Poeticas"), Amália Rodrigues ("Lágrima"), además de poemas de António Lobo Antunes ("Nasci Para Morrer Contigo"), Rosa Lobato de Faria ("Fado Quimera" y "Velhos Amantes" basada en una canción de Jacques Brel ) e incluso un texto del futuro premio Nobel José Saramago ("Fado Adivinha"). En 1995 grabó "Tanto Menos Tanto Mais" (que significa "Menos es más"), que combina la textura de los instrumentos clásicos del fado, la guitarra portuguesa, la guitarra acústica y el bajo, con la del violín, el acordeón, el piano e incluso el arpa. Una vez más, cantó canciones de António Lobo Antunes , pero también de Fernando Pessoa y João Monge, uno de los letristas portugueses más apreciados. El primer álbum que se lanzó en EE.UU. fue "Garras dos Sentidos" ("Garras de los sentidos") en 1998. El concepto de este álbum era usar letras de famosos poetas portugueses con melodías pertenecientes al fado tradicional (donde la melodía no está ligada a una letra específica). De esta manera, Mísia no solo cantó textos de poetas del pasado como Fernando Pessoa , Mário de Sá Carneiro, Natália Correia o António Botto, sino también de poetas contemporáneos como José Saramago y Mário Cláudio, e invitó a dos escritoras a escribir poemas para el álbum: Agustina Bessa-Luís, quien escribió la letra de la canción que da título al disco, y Lídia Jorge , cuyo poema principal, Fado Do Retorno, se canta en dos versiones: la pista 4 con piano, acordeón, violín y contrabajo, y la pista 11 con guitarra portuguesa, guitarra acústica, bajo, contrabajo, violín y acordeón. Su álbum de 1999, "Paixões Diagonais" ("Pasiones Diagonales") volvió a utilizar canciones de una variedad de escritores, desde João Monge, Amélia Muge, Antonio dos Santos o Vitorino Salomé, hasta Rosa Lobato de Faria o Sérgio Godinho. En 2001, decidió rendir homenaje a Amália Rodrigues, tras la muerte de esta, y grabó "Ritual", donde todas las canciones (excepto la última) fueron grabadas como fados tradicionales a tres instrumentos. Su álbum de 2003, Canto, puede considerarse su obra maestra. Combinando fragmentos de las mejores obras del guitarrista portugués Carlos Paredes con poemas de Vasco Graça Moura (y letras de Sérgio Godinho y Pedro Tamen), Mísia creó una obra musical que ella misma describiría como perteneciente a su "galería de cosas imposibles". En su álbum de 2005, Drama Box , Mísia se describe a sí misma como una bailarina de cabaret que vive en el "Hotel Drama Box" con sus músicos. En su álbum de 2009, Ruas (calles), Mísia trasciende los límites del fado. La primera parte del álbum doble, "Lisboarium", es un viaje imaginario por Lisboa, expresado en fado. La segunda parte, "Tourists", sin embargo, contiene interpretaciones de Mísia de géneros musicales muy diferentes. Incluye música en turco, español, inglés y francés. El concepto es música no fado que, según Mísia, tiene el "alma del fado". Un ejemplo de esto es su versión de " Hurt ", originalmente de Nine Inch Nails pero inspirada en la versión de Johnny Cash . Discografía 1991 – Mísia 1993 – Fado 1995 – Tanto menos, tanto más 1998 – Garras dos Sentidos 1999 – Paixões Diagonais 2001 – Ritual 2003 – Canto (música de Carlos Paredes) 2005 – Drama Box 2009 – Ruas 2011 – Senhora da noite 2013 – Concierto Café Delikatessen 2015 - Para Amália

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