Eddie Brickell:
Asistió a la Southern Methodist University durante un año y medio antes, en 1985, una noche en un bar tomó la decisión de subir al escenario con una banda local, New Bohemians. A finales de los ochenta, Brickell era la líder vocal del grupo Edie Brickell & New Bohemians, cuyo álbum debut en 1988 Shooting Rubberbands at the Stars fue un éxito tanto para la crítica musical como para la industria. El álbum siguiente de la banda, Ghost of a Dog (1990), no fue tan exitoso. La banda fue más conocida por su éxito de 1988 What I Am. Los New Bohemians se separaron y Eddie se casó con Paul Simon, con el que tuvo un hijo. Como artista en solitario, Brickell lanzó su álbum Picture Perfect Morning (1994) y Volcano (2003). En 2006 se reunió con algunos miembros de la banda original de New Bohemians y realizaron el álbum Stranger Things. Tuvo un pequeño papel como cantante folk en la película Nacido el 4 de julio (Oliver Stone, 1989). Su versión del tema de Bob Dylan A Hard Rain's a-Gonna Fall aparece en la banda sonora de la película. El video Good Time fue incluido como parte de ejemplos multimedia del CD de instalación del Windows 95.

The Cowboy Junkies:
Michael (guitarra), Peter y Margo Timmins junto a Alan Anton. Se formaron en 1985. Tres años más tarde grabaron The Trinity Session. Sonido que encuentra sus raíces en la tradición country y folk, con matices que hacen del suyo un sonido personalísimo: tempos lentos y letárgicos, lánguidas guitarras, y la evocativa, preciosa voz de Margo Timmins. «Cuando empezamos, nuestro principal objetivo no era durar mucho como grupo, sino que lo hiciera la musica», afirma el compositor y guitarrista Michael Timmins. «Teníamos la esperanza de que nuestra sinceridad se contemplara a través de las canciones». Diez años más tarde aparece en el mercado Open, posiblemente el disco más duro que hayan grabado nunca, y que muestra todas las caras del grupo: hipnótico, reflectivo, tranquilo y a la vez dinámico y rockero. Open es un disco que habla del paso del tiempo, de hacerse mayor, de crecer. Michael apunta que «es un disco que abarca el hecho de cuando llegas a la conclusión, un día a las tres de la madrugada, que tarde o temprano morirás». El último lanzamiento de Cowboy Junkies para una multinacional antes de decidir que debían seguir su camino por entre sellos independientes fue Miles from our home, editado por Geffen en 1998, durante el periodo en que fueron absorbidos por Universal. Fue frustrante, todo aquel que estuvo ligado a nuestro disco, a nuestro proyecto, despareció de nuestras vidas. De repente no había nadie para trabajar en ese disco (Michael Timmins). Fue entonces cuando el grupo decidió reactivar Latent, el sello que Michael y Alan habían creado a principios de los ochenta para dar salida a sus proyectos de entonces. El pequeño sello había editado los dos primeros discos de la banda, y «Open» representa su tercer lanzamiento en dos años. Los otros dos fueron Rarities, B Sides and Slow Sad Waltzes en 1999, y el directo Waltz across America el año pasado. «Tocamos muchísimo mejor que cuando empezamos, pero seguimos siendo los Cowboy Junkies, sin ninguna duda».

Suzanne Vega:
Su trayectoria de se caracteriza por la inquietud y lo poco prolífico de su producción. 22 años después de su debut sólo ha publicado siete álbumes de estudio, más dos recopilatorios. Su primer disco fue homónimo y se lanzó en 1985 con buena acogida por parte de la crítica. Las ventas no fueron muy elevadas y se extrajeron dos sencillos principales, Marlene on the wall y Left of center. En el álbum se dejaban notar sus rasgos más distintivos como artista: la profundidad de las letras, que partían de la observación del mundo y a veces trataban acerca de temas poco habituales, su voz y su sonido cercano al estilo folk. Dos años más tarde, Suzanne Vega publicó Solitude standing, que supuso su despegue internacional gracias a su acercamiento a un sonido más pop y a los dos temas más reconocibles de su carrera, Tom's diner, en una primera versión cantada a capella y remasterizada después por el dúo británico DNA, y Luka, una canción acerca del maltrato infantil que escribió inspirándose en la figura de un niño de su antiguo barrio y que llegó al puesto #3 en las listas de Estados Unidos. En 1990 publicó Days of open hand, distanciándose de cualquier estilo comercial y priorizando las letras de las nuevas composiciones. A este álbum le siguieron 99.9ºF (1992) y Nine objects of desire (1996), en los que experimentó, respectivamente, con la electrónica y un tono más dulce y minimalista sin perder nunca sus señas de identidad. En el último se incluía el tema Caramel, que aparece en las bandas sonoras de las películas La verdad sobre perros y gatos y Closer. Después de cinco años en los que se centró en su vida familiar, y a raíz de su divorcio, volvió al estudio para grabar Songs in red and gray, que supone la vuelta al sonido original de su música y constituye uno de sus trabajos más intimistas hasta la fecha. Tres de sus temas giran alrededor de su entonces reciente ruptura. En 2003 se lanzó Retrospective: The best of Suzanne Vega, un recopilatorio de 21 canciones de toda su carrera incluyendo las de mayor éxito, tras lo cual A&M puso fin a su contrato. En los años siguientes Vega se dedicó a ofrecer conciertos y se involucró como locutora en una serie de programas radiofónicos (American Mavericks) acerca de los mejores compositores estadounidenses del S. XX, por el que recibió, como parte del equipo, el prestigioso premio Peabody Award. En julio de 2007 se publica su más reciente álbum de estudio, Beauty & Crime, en el que disecciona la vida de su ciudad, Nueva York, tras haber firmado con Blue Note Records.

Sade:
De madre inglesa y padre nigeriano, a los cuatro años se fue con su madre a vivir a Inglaterra, cuando ésta se separó de su padre. Durante su adolescencia no paraba de escuchar discos de Nina Simone, Peggy Lee y Astrud Gilberto. Este estilo de música la fascinaba. Ella todavía no pensaba en cantar en aquella época, sino en estudiar moda en la facultad de Saint Martin, y sólo se decide a presentarse como vocalista cuando un par de viejos amigos de la facultad crean un grupo "hasta que encuentren una cantante". Sus estudios de diseño la llevaron a abrir una boutique, pero su amor por la música la llevó a cantar en un grupo funky de cierto carácter latino que respondía al nombre de Arriva. Desde ese momento descubrió un extraño placer al escribir letras. Más tarde esta banda pasó a llamarse Pride y luego cambió a Sade, que es una abreviatura de Folasade. Y con Sade comenzó a conocerse también a su vocalista. La banda consigue firmar un contrato en 1984, y se convierte en el espectáculo de los clubs de la capital inglesa, en gran parte gracias a la belleza de su cantante que se vería reflejada en revistas de tirada internacional como Vogue, Cosmopolitan, Times... y en pocos meses se convirtió en la reina del cool. En 1984 su primer sencillo "Your love is king" pasó a ser un éxito dentro de los Top Ten. Y de manera bastante repentina Sade se convirtió también en un símbolo. Sólo un año después se convirtió en uno de los pocos artistas que han aparecido en la portada de la revista Time. Diamond Life (1984): Se dirigía a una audiencia mundial. Este contenía sencillos de éxito como "Your love is king", "Smooth Operator" y "Hang on to your love", y el disco permaneció 98 semanas en las listas británicas y 81 semanas en las listas americanas. Sade recibió el premio BPI al mejor álbum y un Grammy a la mejor nueva artista. Después de "Diamond life" en 1985 llegó "Promise", un rico y evocador segundo álbum que cosechó éxitos como "Is it a crime" y "The sweetest taboo", que ha sido uno de los temas más oídos en la historia de la radio. Al igual que su predecesor, éste también fue un éxito internacional que recibió un disco multiplatino. Stronger than pride (1988): Album de éxito que contenía sencillos memorables como "Paradise", "Love is stronger than pride" y "Nothing can come between us". Con el álbum llegó una gira por todos los continentes, incluida Europa, Australia y Japón y que supuso la primera gira a gran escala por América. A lo largo de su trayectoria, el grupo siempre ha contado con una audiencia diversa, multiracial, que se siente atraída por el amplio concepto de música que tiene el grupo. Love Deluxe (1992): Album audaz y emocionalmente honesto que se ganó la aclamación comercial y de la crítica. En América permaneció 90 semanas en las listas, mientras que el sencillo "No ordinary love", tenía una amplia aparición en la película protagonizada por Robert Redford "Proposición Indecente". En 1994 llegó el "Best of Sade", que incluía 16 temas. Ahora edita "Lovers Rock", ocho años después de su último trabajo y con unas ventas en su haber de 40 millones de discos. Sus dos siguientes discos fueron Lovers Rock (2000) y Soldier of Love (2010). Durante una época a principios de los años 90, la cantante vivió en Madrid con el director de documentales Carlos Scola Pliego. Tiene una hija, Ila, nacida el 21 de julio de 1996, fruto de la relación con un músico y productor jamaicano al que conoció en Londres, Bob Morgan. La niña la acompaña en un corte de su último disco. En los últimos años ha llevado una vida tranquila en la campiña inglesa (en un pueblo cerca de Stroud, en Gloucestershire) junto a su hija, su novio desde hace cuatro años, Ian Watts, un químico que fue marine de la Armada Real Británica, y el hijo de éste, Jack, de 18 años.

Natalie Merchant:
Natalie Anne Merchant (n. 26 de octubre de 1963 en Jamestown, Nueva York) es una cantante, instrumentista y compositora. Merchant fue la primera voz de la banda 10.000 Maniacs entre 1981 y 1993. Luego emprendió una exitosa carrera como solista. Su primer álbum solista Tigerlily (1995) tuvo tres éxitos en las listas Top 40: Carnival, Jealousy, y Wonder. En 1998 grabó Ophelia y al año siguiente Live in Concert. En 2001 presentó su disco más aclamado por la crítica, Motherland, y realizó extensas giras por Norteamérica y Europa. En 2003 grabó un álbum folk de canciones tradicionales llamado The House Carpenter's Daughter. Toca el piano y ha escrito y producido casi todas sus canciones. Su trabajo toca temas sociales y políticos. Está casada y tiene una hija. Leave Your Sleep fue publicado en 2010.

Alanis Morissette:
Alanis Nadine Morissette (Ottawa, 1 de junio de 1974) es una cantante, compositora, guitarrista, productora y actriz ocasional. Posee el tipo de voz correspondiente a una mezzosoprano. Está posicionada como una de las artistas de mayores ventas en la historia, debido en gran parte a su tercer álbum Jagged little pill, con 30 millones de copias vendidas, convirtiendose en el Álbum Debut de una artista femenina mas vendido de la historia y uno de los álbumes más exitosos de todos los tiempos. Además de haber sido incluido en la Lista de los 500 Mejores Álbumes de la Historia segun la revista "Rolling Stone". A lo largo de su carrera ha sido galardonada con siete Premios Grammy, incluyendo Álbum del año en 1996 y doce premios Juno. En el 2002 la ONU le otorgó el premio “Global Tolerance Award" por su "gran labor en promoveer la tolerancia". Adquirió la nacionalidad estadounidense conservando la canadiense.

Portadas: Dibujantes de cómics:
Robert Crumb: Este influyente artista del cómic underground es conocido por haber diseñado la portada del álbum "Cheap Thrills" de Big Brother and the Holding Company, con Janis Joplin. Alex Ross: Conocido por su estilo pictórico y realista, Ross diseñó la portada del álbum "Music of Mass Destruction" de la banda de heavy metal Anthrax. Todd McFarlane: El creador de "Spawn", diseñó la portada del álbum "Follow the Leader" de la banda de nu-metal Korn. Greg Capullo: Otro artista reconocido por su trabajo en "Spawn" y "Batman", también colaboró con Korn en la portada de "Follow the Leader" y con la banda de heavy metal Iced Earth. Dave Gibbons: Famoso por ser el co-creador y dibujante de "Watchmen", Gibbons creó la portada del álbum "K" de la banda de rock psicodélico Kula Shaker. Charles Burns: El creador de "Black Hole", aportó su distintivo estilo al álbum "Brick by Brick" de Iggy Pop. Jaime Hernandez: Uno de los creadores de la aclamada serie de cómics alternativos "Love and Rockets", diseñó la portada del álbum "All That We Let In" de las Indigo Girls. John Byrne: Reconocido por su trabajo en "X-Men" y "Fantastic Four", Byrne es el artista detrás de la portada del icónico álbum de Joe Satriani, "Surfing with the Alien". Dave McKean: Conocido por sus colaboraciones con Neil Gaiman, incluyendo las portadas de "The Sandman", McKean ha trabajado en portadas para artistas como Stabbing Westward. Raymond Pettibon: Aunque su trabajo a menudo se asocia con la escena del punk rock, sus dibujos con influencia del cómic adornan la portada del álbum "Goo" de Sonic Youth. Mauro Entrialgo: En España, el dibujante y humorista gráfico es conocido por haber creado decenas de portadas para artistas como The Pleasure Fuckers, Doctor Explosión y Jorge Drexler.

Swamp Rock:
Uno de los subgéneros más atmosféricos y fascinantes del rock. Se caracteriza por su sonido crudo, ritmos hipnóticos y letras que a menudo evocan el misterio, la humedad y el folclore del sur de Estados Unidos, especialmente de los pantanos de Luisiana y el delta del Misisipi. Aquí tienes los músicos y bandas más importantes del género, desde sus pilares hasta sus influencias. Creedence Clearwater Revival (CCR): Son, sin lugar a dudas, los reyes del Swamp Rock. Aunque eran de California, John Fogerty (su líder, cantante y compositor) tenía una habilidad única para crear canciones que sonaban como si hubieran sido escritas en un porche de una cabaña en el bayou. Su uso del trémolo en la guitarra, su voz rasgada y sus letras sobre ríos, pantanos y la vida sureña son la quintaesencia del género. Canciones clave: "Born on the Bayou", "Green River", "Bad Moon Rising", "Lodi".
Tony Joe White: Conocido como el "Swamp Fox" (el Zorro del Pantano), es quizás el artista más auténtico del género. Su voz es increíblemente profunda y grave, y su estilo de guitarra es minimalista y lleno de "funk". Sus canciones son historias, a menudo sobre personajes y situaciones extrañas del sur profundo. Canciones clave: "Polk Salad Annie", "Rainy Night in Georgia", "Roosevelt and Ira Lee".
Dr. John, The Night Tripper: Su música es una mezcla única de Swamp Rock, R&B de Nueva Orleans, psicodelia y vudú. Su álbum de debut, Gris-Gris (1968), es una obra maestra del género, un viaje hipnótico y oscuro al corazón místico de Luisiana. Canciones clave: "I Walk on Guilded Splinters", "Gris-Gris Gumbo Ya Ya", "Right Place, Wrong Time" (esta última más funk, pero con la misma esencia). Contemporáneos Esenciales y Artistas Relacionados: Estos artistas, aunque no siempre se les etiqueta exclusivamente como "Swamp Rock", fueron cruciales para el desarrollo del sonido y comparten muchas de sus características. Little Feat: Liderados por el genial Lowell George, su música era una mezcla increíblemente original de rock, funk, country y blues con un inconfundible sabor sureño. El uso magistral de la guitarra slide por parte de George es una de sus señas de identidad. Canciones clave: "Dixie Chicken", "Willin'", "Fat Man in the Bathtub". The Band: Aunque su música es más amplia y se considera "Americana" o "Roots Rock", muchas de sus canciones tienen esa sensación terrenal, rústica y sureña que es fundamental en el Swamp Rock. Su instrumentación y sus historias sobre personajes rurales conectan directamente con el género. Canciones clave: "Up on Cripple Creek", "The Weight", "The Night They Drove Old Dixie Down".
Los pioneros que sentaron las bases del género en los años 50, antes de que el término existiera. Dale Hawkins: Su canción de 1957, "Suzie Q", es considerada por muchos como el prototipo del Swamp Rock. Tiene un riff de guitarra crudo y pantanoso que fue una gran influencia (CCR hizo una famosa versión de ella). Link Wray: Aunque es más conocido como un pionero del rock and roll instrumental, su uso de la distorsión y el trémolo en canciones como "Rumble" creó una atmósfera oscura y amenazante que se convirtió en parte del ADN del Swamp Rock.

Carmina Burana y el nazismo:
La relación de la cantata Carmina Burana de Carl Orff con el nazismo es uno de los temas más complejos y debatidos de la musicología del siglo XX. No es una relación simple de "obra nazi" o "música de resistencia", sino una historia llena de ambigüedad. 1. Composición y Estreno en la Alemania Nazi: * Contexto: Carl Orff compuso Carmina Burana entre 1935 y 1936, y se estrenó en Frankfurt en 1937. Esto sitúa su creación y su primer éxito directamente bajo el régimen del Tercer Reich. * Fuente del Material: La obra se basa en una colección de poemas y cantos goliardos de los siglos XI, XII y XIII, encontrados en un manuscrito en un monasterio de Baviera (Alemania). El origen alemán y medieval del material era, en principio, compatible con la ideología nazi, que exaltaba un pasado germánico idealizado. 2. La Reacción Inicial del Régimen Nazi: Sospecha y Crítica. * "Música Degenerada": Al principio, Carmina Burana fue recibida con sospecha por los ideólogos nazis más estrictos. Su música fue criticada por sus ritmos "primitivos", su fuerte percusión y sus influencias de Stravinsky, elementos que los nazis asociaban con el modernismo y la "música degenerada" (entartete Musik). * Contenido "Inmoral": Los textos, que celebran abiertamente el vino, el amor carnal y los placeres terrenales en un latín a veces vulgar, fueron considerados por algunos como moralmente cuestionables y no acordes con la disciplina que el régimen quería imponer. El propio Joseph Goebbels expresó su disgusto inicial. 3. La Aceptación Posterior: Una Obra Útil para la Propaganda. * Éxito Popular: A pesar de las críticas iniciales, la obra fue un éxito rotundo entre el público. Su poder rítmico y su grandiosidad melódica eran innegables. * Grandiosidad y Monumentalidad: El coro de apertura y cierre, "O Fortuna", con su carácter épico y monumental, encajaba perfectamente con la estética nazi de lo grandioso y lo abrumador. * Exaltación de lo "Pagano" y lo "Folclórico": Los temas de la obra (la primavera, la naturaleza, el destino, la vida comunitaria en la taberna) podían ser interpretados como una celebración de las raíces paganas y folclóricas del pueblo alemán, algo que el nazismo también promovía. * Un Sustituto "Ario": El régimen necesitaba nuevas obras de compositores "arios" para reemplazar la música prohibida de compositores judíos (como Mendelssohn o Mahler) y modernistas. Carmina Burana se convirtió en la obra alemana contemporánea más famosa y exitosa de la época, y el régimen no pudo ignorarla. Finalmente, la abrazaron como un ejemplo de la nueva cultura alemana. 4. La Ambivalencia de Carl Orff: * Ni Miembro del Partido ni Resistente: Carl Orff nunca fue miembro del partido nazi, pero tampoco fue un opositor activo al régimen. Fue un compositor que buscó, sobre todo, continuar su carrera. * Oportunismo: Orff aceptó encargos del régimen, como la composición de música para una producción de El sueño de una noche de verano de Shakespeare, con el objetivo explícito de reemplazar la famosa música incidental del compositor judío Felix Mendelssohn. Este es uno de los actos que más se le critican. * Autoprotección: Tras la guerra, durante su proceso de "desnazificación", Orff intentó presentarse como un miembro de la resistencia, alegando una amistad con Kurt Huber, uno de los líderes del grupo de resistencia "La Rosa Blanca". Sin embargo, los historiadores han demostrado que esta afirmación era, como mínimo, una exageración para limpiar su imagen. No es una obra nazi en su contenido o intención. No fue compuesta para glorificar al partido. Sin embargo, su historia está inseparablemente ligada al Tercer Reich. Fue una obra que, por su estética monumental y sus temas de raíz folclórica, fue finalmente adoptada y utilizada por el régimen nazi a pesar de las reticencias iniciales. La relación de Orff con el nazismo fue de acomodación y oportunismo. Su principal objetivo era prosperar como compositor, y para ello navegó las peligrosas aguas de la política cultural nazi, lo que le ha valido críticas duraderas. La obra, por su parte, ha trascendido su complicado nacimiento para convertirse en una de las piezas corales más populares del mundo. (Gemini 2025)

Everything but the Girl [Tracey Thorn & Ben Watt]
1984 Eden 1984 Everything but the Girl 1985 Love Not Money 1986 Baby the Stars Shine Bright 1988 Idlewild 1990 The Language of Life 1991 Worldwide 1992 Acoustic 1994 Amplified Heart 1996 Walking Wounded 1999 Temperamental 2002 Like The Deserts Miss The Rain 2023 Fuse https://open.spotify.com/intl-es/album/5FQMRfSunEA660c3dYU2Mx?si=8BLXghOyTzSwSwB07LZeIQ fuse

The Corrs
1995: Forgiven, Not Forgotten 1997: Talk on Corners 2000: In Blue 2004: Borrowed Heaven 2005: Home 2015: White Light 2017: Jupiter Calling

Texas
Southside (1989) Mothers Heaven (1991) Ricks Road (1993) White On Blonde (1997) The Hush (1999) The Greatest Hits (2000) Careful What You Wish For (2003) Red Book (2005) The BBC Sessions (2007) The Conversation (2013) Jump on board (2017) Hi (2021) https://open.spotify.com/intl-es/album/6EBnZwBxmjgTfTeBbjnWei?si=ddOnfwJNRxaGqiPC4uIV8w texas convers https://open.spotify.com/intl-es/album/07MfNBirf2B6s5A3rKJRsz?si=siiBjNXcQkq9zNyUowwJ_g texas jump https://open.spotify.com/intl-es/album/65bNEnu9OI9g39fYu7z7wl?si=mFrbninZR768sGza1DqXMQ texas hi https://open.spotify.com/intl-es/album/5O4yFdCpn4RM4IyBmkiWyA?si=nJHTU0dZTeug7i9ypidyiw texas red