Miles Davis

Miles Davis:
Miles Dewey Davis III nació el 26 de mayo de 1926 en una familia afroamericana de clase media acomodada en Alton, Illinois , a quince millas al norte de St. Louis. Tenía una hermana mayor, Dorothy Mae (n. 1925), y un hermano menor, Vernon (n. 1929). Su padre, Miles Dewey Davis II de Arkansas , fue un exitoso cirujano dentista que obtuvo tres títulos universitarios, y su madre, Cleota Mae Davis ( de soltera Henry), también de Arkansas, fue profesora de música y violinista. Poseían una finca de 200 acres cerca de Pine Bluff , Arkansas, que albergaba una rentable granja de cerdos donde Davis y sus hermanos montaban a caballo, pescaban y cazaban. En 1927, la familia se mudó a East St. Louis, Illinois, y vivió en el segundo piso de un edificio comercial en un vecindario predominantemente blanco detrás de un consultorio dental. Para 1941, sus padres se divorciaron. De 1932 a 1934, Davis asistió a la Escuela Primaria John Robinson, una institución exclusivamente para estudiantes negros, y posteriormente a la Escuela Crispus Attucks, donde destacó en matemáticas, música y deportes. De joven, Davis desarrolló su primera afición por la música, destacando el blues, las big bands y el gospel.

Miles Davis Biblioteca web The Pharaohs Den Miles Dewey Davis III En 1935, Davis recibió su primera trompeta como regalo de John Eubanks, amigo de su padre, y posteriormente tomó clases semanales con Elwood Buchanan , paciente, maestro y músico de su padre . Su madre se opuso a la elección del instrumento, pues prefería que su hijo aprendiera a tocar el violín. Contrariamente a la moda de la época, Buchanan recalcó la importancia de tocar sin vibrato y lo animó a adoptar un tono más claro y de rango medio; Davis afirmaba que se golpeaba los nudillos cada vez que empezaba a usar un vibrato fuerte. Davis mantendría su sonido claro y característico a lo largo de su carrera. En una ocasión, comentó sobre la importancia que tenía para él: «Prefiero un sonido redondo y sin actitud, como una voz redonda sin demasiado trémolo ni demasiado bajo. Justo en el centro. Si no consigo ese sonido, no puedo tocar nada». En 1939, la familia se mudó al 1701 de Kansas Avenue en East St. Louis. Ese año, para su decimotercer cumpleaños, el padre de Davis le regaló una trompeta nueva, y Davis comenzó a tocar en bandas locales, ganando hasta 85 dólares a la semana. Por aquella época, Davis tomó clases adicionales de trompeta con Joseph Gustat, trompetista principal de la Orquesta Sinfónica de San Luis. Miles Davis 117 mejores imágenes de Amigos de Miles Davis en Pinterest Miles Davis En 1941, Davis, con 15 años, comenzó sus estudios en la escuela secundaria East St. Louis Lincoln, donde se unió a la banda de música dirigida por Buchanan y participó en concursos de música. Davis afirmaba que los concursos que no ganaba se debían en gran medida a prejuicios raciales, pero citó esas experiencias para mejorar su música. Procedió a mejorar su comprensión musical después de que un baterista con el que tocaba por aquella época le sugiriera tocar un pasaje de la noche anterior, pero Davis no comprendía lo que quería decir. "Eso me impactó... Fui a buscar todo, todos los libros que pude para aprender teoría". Fue en la escuela secundaria Lincoln donde Davis conoció a su primera novia, Irene Birth (posteriormente Cawthon). Para entonces, Davis ya había formado su propio grupo, actuando en varios locales como Elks Club y Huff's Beer Garden con éxitos como In the Mood de Glenn Miller. Parte de sus ganancias se destinaba a la educación de su hermana en la Universidad Fisk. Davis también se hizo amigo del trompetista Clark Terry, quien también le sugirió que tocara sin vibrato y actuaron juntos en diversas capacidades durante varios años. En 1943, por recomendación de Buchanan y persuasión de Cawthon, Davis ocupó una vacante en la Orquesta Rhumboogie de Eddie Randle, también conocida como los Blue Devils, y finalmente se convirtió en su director musical, lo que implicaba programar ensayos y contratar a nuevos miembros. Davis reconoció posteriormente su etapa como una de las más importantes de su carrera. Durante este tiempo, Sonny Stitt intentó convencerlo de unirse a la banda Tiny Bradshaw, que entonces estaba de paso por la ciudad, pero su madre insistió en que terminara el último año de secundaria antes de poder salir de gira. Él comentó: «No hablé con ella durante dos semanas. Y tampoco fui con la banda». En enero de 1944, Davis terminó sus estudios en la escuela secundaria East St. Louis Lincoln y se graduó en ausencia en junio. Al mes siguiente, Cawthon dio a luz a su hija, Cheryl. En julio de 1944, Billy Eckstine y su big band, compuesta por Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Art Blakey , visitaron San Luis para una serie de conciertos. Necesitaban un suplente después de que el tercer trompetista, Buddy Anderson, estuviera demasiado enfermo para asistir. Invitaron a Davis, quien aceptó y tocó con el grupo durante dos semanas en el Club Riviera. La experiencia fue muy profunda para Davis, tras lo cual "tenía que estar en Nueva York, donde estaba la acción". Sin embargo, su madre deseaba que continuara sus estudios y estudiara piano o violín en la Universidad Fisk con su hermana, a lo que Davis se negó.

1944–1948: La ciudad de Nueva York y los años del bebop En septiembre de 1944, Davis aceptó la idea de su padre de estudiar en el Instituto de Artes Musicales, más tarde conocido como la Juilliard School, en la ciudad de Nueva York. Davis aprobó su audición y asistió a clases de teoría musical, piano y dictado, pero pronto perdió el foco y pasó gran parte de su tiempo en la escena de los clubes y localizando a Parker, a pesar de que varias personas que conoció en su búsqueda le aconsejaron que no lo hiciera, incluido Coleman Hawkins. Después de localizar finalmente a su ídolo, Davis se convirtió en uno de los músicos que realizaban sesiones de improvisación nocturnas en dos clubes nocturnos de Harlem, Minton's Playhouse y Monroe's. El grupo incluía a muchos de los futuros líderes de la revolución del bebop, como Fats Navarro, Freddie Webster y JJ Johnson. Músicos establecidos como Thelonious Monk y Kenny Clarke también eran participantes habituales. En diciembre de 1944, Davis se reunió con Cawthon y su hija cuando se mudaron a la ciudad de Nueva York, los tres vivieron en el mismo edificio que Parker, quien eventualmente se convirtió en compañero de habitación. A mediados de 1945, Davis no se matriculó en el semestre de otoño de Juilliard y abandonó la escuela después de tres semestres, pues deseaba dedicarse por completo a la interpretación de jazz. Su padre le aconsejó que evitara sonar como los demás y que encontrara su propio estilo, pero lo apoyó y continuó enviándole dinero hasta que Davis pudo ganar lo suficiente por sí mismo. Davis criticó posteriormente las clases de la escuela por centrarse demasiado en el repertorio clásico europeo y "blanco", pero agradeció a la institución su formación en teoría musical y la mejora de su técnica de trompeta. Davis comenzó a tocar profesionalmente, actuando en varios clubes de la calle 52 con Hawkins y Eddie "Lockjaw" Davis, y el 24 de abril de 1945 grabó sus primeras sesiones en un estudio de grabación como parte del grupo de Herbie Fields con Henry "Rubberlegs" Williams, la primera de muchas como músico acompañante. La primera grabación de Davis como líder se produjo en 1946 con un grupo ocasional llamado Miles Davis Sextet, junto con Earl Coleman y Ann Hathaway, una de las pocas ocasiones en que se le escucha acompañando a cantantes. Davis no volvería a grabar otra sesión como líder hasta 1947. Tras la separación de Gillespie del quinteto de Parker en 1945, Davis ocupó su lugar en octubre y el grupo realizó una residencia en varios clubes de la calle 52. El 26 de noviembre, Davis participó en varias sesiones de grabación como parte del grupo Reboppers de Parker, en el que también participaban Gillespie y Roach, mostrando indicios del estilo por el que se haría conocido. Durante una toma de la canción insignia de Parker, "Now's the Time", Davis realiza un solo melódico, cuya cualidad unbop anticipa la época de jazz cool que le siguió. En 1946, Davis tocó en una big and small band liderada por Benny Carter en San Luis y viajó con el grupo para actuar en California. Durante su estancia en la costa oeste, Davis actuó con Parker, quien también había viajado allí con Gillespie. Durante una parada en Los Ángeles, Parker sufrió una crisis nerviosa que lo llevó al hospital durante varios meses, dejando a Davis abandonado. Davis consiguió un puesto en la gira de Eckstine por California, que finalmente lo llevó de regreso a Nueva York a finales de 1946. En marzo de 1946, Davis tocó en sesiones de estudio con Parker y comenzó una colaboración con el bajista Charles Mingus ese verano, durante la cual Cawthon dio a luz a su segundo hijo, Gregory, en East St. Louis, antes de reunirse con Davis en Nueva York al año siguiente. Davis comentó que para entonces «todavía estaba tan metido en la música que incluso ignoraba a Irene», y bebía y consumía cocaína. Tras la disolución de la banda de Eckstine a principios de 1947, Davis consiguió trabajo tocando en una big band liderada por Gillespie e Illinois Jacquet, y en abril se unió a un nuevo quinteto liderado por Parker, que también incluía a Roach. Juntos actuaron en directo con Duke Jordan y Tommy Potter durante gran parte del año, incluyendo varias sesiones de estudio. En una de ellas, en mayo, Davis compuso el tema "Cheryl", que lleva el nombre de su hija. Su primera sesión como líder tuvo lugar en agosto de 1947, tocando con el Miles Davis All Stars, que incluía a Parker, al pianista John Lewis y al bajista Nelson Boyd; juntos grabaron "Milestones", "Half Nelson" y "Sippin' at Bells". Tras una gira por Chicago y Detroit con el quinteto de Parker, Davis regresó a Nueva York en marzo de 1948 y se unió a la gira Jazz at the Philharmonic, que incluyó una parada en San Luis el 30 de abril.

1948–1950: Miles Davis Nonet y el nacimiento del cool En agosto de 1948, Davis rechazó una oferta para unirse a la orquesta de Duke Ellington , ya que había entrado en ensayos con una nueva banda de nueve miembros con el pianista y arreglista Gil Evans y el saxofonista barítono Gerry Mulligan, asumiendo un papel activo que pronto se convirtió en su propio proyecto. El apartamento de Evans en Manhattan se había convertido en el lugar de encuentro de varios músicos y compositores jóvenes como Davis, Roach, Lewis y Mulligan que no estaban contentos con las técnicas instrumentales cada vez más virtuosas que dominaban la escena del bebop. Esto llevó a la formación de The Miles Davis Nonet , que presentaba una formación más inusual con una trompa y una tuba. El objetivo era lograr un sonido similar a la voz humana, a través de composiciones cuidadosamente arregladas y enfatizando un enfoque relajado y melódico en las improvisaciones. En septiembre, la banda completó su único compromiso como teloneros de Count Basie en el Royal Roost durante dos semanas. Davis tuvo que convencer al gerente del local para que el cartel publicitario dijera "Miles Davis Nonet. Arreglos de Gil Evans, John Lewis y Gerry Mulligan". Lo consiguió solo con la ayuda de Monte Kay, el director artístico del club. Davis se reincorporó al quinteto de Parker poco después, pero las relaciones dentro del quinteto se tensaron, principalmente debido al comportamiento errático de Parker, causado por su adicción a las drogas. Al principio de su trabajo con Parker, Davis había adoptado un estilo de vida de abstinencia de drogas, una dieta vegetariana y hablaba de los beneficios del agua y los zumos. La situación empeoró cuando Davis y Roach se opusieron a la incorporación del pianista Duke Jordan y prefirieron contratar a Bud Powell. La situación culminó en diciembre de 1948, cuando Davis renunció, alegando que no le pagaban. La separación de Davis de Parker marcó el inicio de un período en el que trabajó principalmente como freelance y acompañante en algunos de los combos más importantes de la escena jazzística neoyorquina. Su noneto permaneció activo hasta finales de 1949; tras firmar un contrato discográfico con Capitol Records, grabaron sesiones en enero y abril de 1949, incluyendo los sencillos «Move» y «Boplicity», que se vendieron poco, pero se convirtieron en piezas influyentes del jazz «cool» o de la «costa oeste». La formación cambió a lo largo del año e incluyó las incorporaciones del tubista Bill Barber, el saxofonista alto Lee Konitz, quien había sido preferido a Sonny Stitt por considerarse que su estilo se orientaba demasiado al bop, el pianista Al Haig, los trombonistas Mike Zwerin con Kai Winding , los trompas Junior Collins con Sandy Siegelstein y Gunther Schuller, y los bajistas Al McKibbon y Joe Shulman . En una canción participó el cantante Kenny Hagood. La presencia de músicos blancos en el grupo enfureció a algunos músicos negros, muchos de los cuales estaban desempleados en ese momento, pero Davis rechazó sus críticas. Las sesiones de grabación con el noneto para Capital Records continuaron hasta abril de 1950; gran parte permaneció inédita hasta la publicación de Birth of the Cool (1957), nombre dado al movimiento de cool jazz que se había desarrollado y a la dirección musical que había tomado el grupo. En mayo de 1949, Davis actuó con el Tadd Dameron Quintet, junto a Kenny Clarke y James Moody, en el Festival Internacional de Jazz de París, su primer viaje al extranjero. Davis se enamoró profundamente de París y su ambiente cultural, donde los músicos de jazz negros, y los afroamericanos en general, gozaban de mayor respeto que en Estados Unidos. El viaje, según describió, «cambió mi perspectiva para siempre». Durante su estancia allí, Davis inició una relación amorosa con la cantante y actriz Juliette Gréco que duró varios años.

1949–1955: El hard bop y el «período azul» Los primeros años de la década de 1950 fueron un período muy difícil para Davis. A su regreso de París a mediados de 1949, sufrió una depresión y solo pudo conseguir trabajos ocasionales, incluyendo un breve contrato con Powell en octubre y actuaciones como artista invitado en Nueva York, Chicago y Detroit hasta enero de 1950. Para colmo, Davis se estaba atrasando con el alquiler del hotel y hubo numerosos intentos de embargar su coche. Su adicción a la heroína se convirtió en una adicción costosa, y Davis, aún sin cumplir 24 años, «perdió la disciplina, el control de su vida y empezó a desviarse». En agosto de 1950, durante un viaje familiar a East St. Louis y Chicago para intentar mejorar su situación económica, Cawthon dio a luz al segundo hijo de Davis, Miles IV, en Chicago. Fue en esta última ciudad donde Davis se hizo amigo del boxeador Johnny Bratton y comenzó su gran interés por el deporte. Poco después, Davis dejó a Cawthon y a sus tres hijos en Nueva York al cuidado de su amiga y cantante de jazz Betty Carter, quien permitió que su familia se mudara con ella y cuidó de los niños. Davis le estuvo agradecido a Carter el resto de su vida. Davis realizó una gira con Eckstine y Billie Holiday en sus bandas de acompañamiento, durante la cual fue arrestado por posesión de heroína en Los Ángeles. La historia apareció en la revista Down Beat, lo que provocó una nueva reducción de trabajo para Davis, aunque fue absuelto semanas después. En enero de 1951, la suerte de Davis mejoró cuando consiguió un contrato de grabación de un año con Prestige Records, un sello independiente de jazz, después de que el propietario Bob Weinstock se hiciera fan del noneto de Davis. Davis eligió a Lewis, al trombonista Bennie Green , al bajista Percy Heath, al saxofonista Sonny Rollins y al baterista Roy Hanes; juntos grabaron lo que se convirtió en una parte de Miles Davis and Horns (1956). Davis consiguió más fechas de estudio para otros artistas en marzo, junio y septiembre de 1951, y había comenzado a trabajar transcribiendo partituras para sellos discográficos para financiar su adicción a la heroína. Al mes siguiente, Davis grabó su segunda sesión para Prestige como líder de la banda, cuyo material se publicó más tarde en The New Sounds (1951), Dig (1956) y Conception (1956). Durante su adicción a la heroína, Davis financiaba su adicción en parte con su música y en parte viviendo como un estafador, explotando a prostitutas y recibiendo dinero de sus amigos. Para 1953, su adicción comenzó a afectar su capacidad para tocar y su adicción a las drogas se hizo pública en una entrevista con Cab Calloway en Down Beat, a quien Davis nunca perdonó, ya que le causaba "mucho dolor y sufrimiento". Tras enterarse del apoyo de su padre, Davis regresó a San Luis y se quedó con él varios meses para ayudarlo en su recuperación. Aunque seguía consiguiendo heroína por aburrimiento, Davis se reunió con Roach y Mingus en septiembre de 1953, quienes se dirigían a Los Ángeles para dar conciertos. Davis se unió a ellos, pero el viaje causó numerosas discusiones y problemas. Davis regresó a casa de su padre, "decidido a dejar mi adicción... era lo único que tenía en mente". Se encerró en la casa de huéspedes y permaneció allí "unos siete u ocho días" hasta que superó la dolorosa y enfermiza abstinencia. Después de la terrible experiencia, Davis "se sentó y comenzó a pensar en cómo iba a recuperar mi vida". Tras superar su adicción a la heroína, Davis permaneció en Detroit unos seis meses, evitando Nueva York, donde era fácil conseguir drogas. Aunque consumió heroína durante su estancia, se encontraba lo suficientemente sano como para reanudar sus actuaciones en directo en locales locales, tocando con el baterista Elvin Jones y el pianista Tommy Flanagan como parte de la banda de Billy Mitchell en el club Blue Bird . También estaba "prostituyéndose un poco" por aquel entonces. Una historia muy extendida, atribuida a Richard "Prophet" Jennings, cuenta que Davis entró en el Baker's Keyboard Lounge bajo la lluvia, llevando su trompeta en una bolsa de papel bajo el abrigo, se dirigió al quiosco e interrumpió a Roach y Clifford Brown mientras interpretaban "Sweet Georgia Brown" y tocó "My Funny Valentine" antes de irse. Supuestamente, avergonzado por este incidente, Davis se desintoxicó. Davis luego refutó este relato, afirmando que Roach lo había invitado a jugar y que su decisión de dejar definitivamente la heroína no estaba relacionada con el incidente, citando a su ídolo, el boxeador Sugar Ray Robinson, como una inspiración para desintoxicarse y reanudar su carrera. En febrero de 1954, Davis, ya limpio, regresó a Nueva York, sintiéndose bien "por primera vez en mucho tiempo" y con mayor fuerza física y mental, y se apuntó a un gimnasio. Informó a Weinstock y a la gerencia de Blue Note Records que estaba listo para grabar música con un quinteto, lo cual le fue concedido, y se propuso grabar más música que antes para recuperar el tiempo perdido. Davis consideraba dos álbumes con sesiones grabadas de esta época, Miles Davis Quartet (1954) para Prestige y Miles Davis Volume 2 (1956) para Blue Note, como "muy importantes" para él, ya que sentía que sus interpretaciones eran particularmente sólidas. Davis cobraba aproximadamente 750 dólares por cada álbum y se negó a ceder todos sus derechos editoriales. Para entonces, había abandonado el estilo bebop y conocía la música del pianista Ahmad Jamal , cuyo enfoque y uso del espacio influyeron enormemente en Davis. Cuando Davis regresó al estudio en junio de 1955 para grabar Miles Davis Quartet y buscó un nuevo pianista, deseó a alguien que tocara como Jamal y eligió a Red Garland. Entre 1951 y 1954, Davis publicó muchos discos en Prestige con formaciones variadas, muchas con Rollins y Blakey. Dichos álbumes incluyen Blue Haze (1956), Bags' Groove (1957), Walkin' (1957) y Miles Davis and the Modern Jazz Giants (1959), grabado después de que Davis se recuperara de su adicción a la heroína. Documentan la evolución del estilo y el sonido de Davis, incluida la instalación de la sordina Harmon, también conocida como sordina wah-wah, en su trompeta y colocada cerca del micrófono, que se convirtió en su sonido característico, y un fraseo más espacioso, melódico y relajado. Davis asumió una posición central en lo que se conoce como hard bop , un contraste con el bebop, ya que el hard bop incluía tempos más lentos y un enfoque menos radical de la armonía y la melodía, a menudo adoptando melodías populares y estándares estadounidenses como puntos de partida para la improvisación. El hard bop también se distanció del cool jazz con su ritmo más duro y su música inspirada en el blues. Algunos críticos han llamado a Walkin (1957) el álbum que creó el género hard bop. En este período, Davis se ganó la reputación de ser distante, frío y retraído, además de tener un temperamento irascible. Davis escribió más tarde que, en 1954, Leonard "era lo más importante en mi vida, además de la música", e incluso adoptó su "actitud arrogante". Entre los factores que contribuyeron a esta reputación se encontraban su desprecio por la crítica y la prensa especializada, y algunos enfrentamientos muy publicitados con el público y con otros músicos. Una casi pelea con Thelonious Monk durante la grabación de Bags' Groove recibió amplia cobertura en la prensa especializada. A mediados de 1954, Davis se reunió con Gréco por primera vez desde 1949, tras su llegada a Nueva York por motivos cinematográficos; ambos habían mantenido contacto ocasional desde que Davis dejó París. Aunque Davis estaba demasiado ocupado para mudarse a España con Gréco, ambos "siguieron siendo amantes durante muchos años". Davis fue operado de pólipos de la laringe en octubre de 1955. Aunque no debía hablar en absoluto, discutió con alguien y alzó la voz. Este arrebato dañó sus cuerdas vocales para siempre, dándole la característica voz ronca que se le asociaba. "Fue en febrero o marzo de 1956 cuando me operaron de la garganta por primera vez y tuve que disolver el grupo mientras me recuperaba. Durante la conversación, alcé la voz para dejar claro un punto y la arruiné. No debía hablar durante al menos diez días, y ahí estaba, no solo hablando, sino hablando en voz alta. Después de ese incidente, mi voz adquirió ese susurro que me ha acompañado desde entonces". El carácter "nocturno" de la forma de tocar de Davis y su reputación sombría, junto con su voz susurrante, le valieron el apodo de "príncipe de las tinieblas", añadiendo un toque de misterio a su imagen pública.

1955–1959: Firma con Columbia, primer gran quinteto y jazz modal En julio de 1955, la suerte de Davis mejoró considerablemente al conseguir una invitación de última hora para el segundo Festival de Jazz anual de Newport, el 17 de julio, con un cartel compuesto por Monk, Heath, la baterista Connie Kay y los trompetistas Zoot Sims y Gerry Mulligan. Davis convenció al organizador George Wein de que debía estar en el cartel, y Wein accedió. La actuación fue aclamada como un triunfo por la crítica y amplió la música de Davis al público blanco, más amplio y adinerado. Davis pronto empató con Gillespie en el primer puesto de la encuesta de lectores de Down Beat de 1955 en la categoría de trompeta. Davis señaló que después de su actuación en Newport "empezaron a pasar cosas". Entre ellas, el inicio de su larga colaboración con Columbia Records después de que el productor George Avakian viera a Davis actuar en Newport y quisiera contratarlo. A un año de terminar su contrato con Prestige, que requería que Davis lanzara cuatro álbumes más, Davis consiguió un contrato con Columbia que incluía un adelanto de 4.000 dólares y una condición de que sus grabaciones para el sello permanecieran inéditas hasta que su contrato con Prestige expirara. Tras las sesiones de grabación para Mingus para su recién creado sello Debut y un exitoso concierto en Café Bohemia con Rollins, Garland, Chambers y el baterista Philly Joe Jones , Davis utilizó esta formación para grabar sus últimas sesiones para Prestige. Davis necesitó dos sesiones, celebradas el 11 de mayo y el 26 de octubre de 1956, para grabar suficiente material para cumplir su contrato, que se publicó en una serie de cuatro álbumes: Cookin' with the Miles Davis Quintet (1957), Relaxin' with the Miles Davis Quintet (1958), Workin' with the Miles Davis Quintet (1959) y Steamin' with the Miles Davis Quintet (1961), cada uno de los cuales fue fundamental para establecer al quinteto de Davis como uno de los mejores de la escena. A mediados de 1955, Davis reclutó músicos para lo que se conocería como su primer "gran quinteto" compuesto por Garland, Chambers, Jones y el saxofonista tenor John Coltrane , quien fue elegido tras el fallido intento de reclutar a Julian "Cannonball" Adderley. Ninguna de las selecciones de Davis era muy conocida en aquel momento, ni había tenido mucha difusión. Los cinco debutaron en disco con el exitoso tema "Round About Midnight" (1957), el primero de Davis para Columbia. Su repertorio en directo incluía una mezcla de pilares del bebop, estándares de jazz del Great American Songbook y de las épocas pre-bop, y melodías tradicionales. El estilo predominante del grupo fue una evolución de la experiencia de Davis en los años anteriores: Davis tocaba líneas largas, legato y esencialmente melódicas, mientras que Coltrane, quien durante esos años emergió como una figura destacada de la escena musical, contrastaba con solos de gran energía. En noviembre de 1956, Davis separó temporalmente su quinteto para realizar una gira por Europa con los Birdland All-Stars, formados por él mismo, el Modern Jazz Quartet y una formación de músicos franceses y alemanes. Durante su estancia en París, se reunió con Greco por primera vez desde 1949. Después, regresó a casa, reunió a su cuarteto y realizó una gira por Estados Unidos de dos meses a partir de diciembre de 1956. Sin embargo, la gira generó fricciones internas, ya que Davis se había cansado de las adicciones a las drogas de Jones y Coltrane, lo que les hacía llegar tarde a los conciertos o, en ocasiones, no presentarse. Davis, por otro lado, hacía ejercicio con regularidad y consumía alcohol con moderación, a pesar de que ocasionalmente "esnifaba un poco de cocaína". Davis despidió a Jones y Coltrane al finalizar la gira en marzo de 1957, y fueron reemplazados por el saxofonista Sonny Rollins y el baterista Art Taylor. En noviembre de 1957, Davis regresó a París, donde grabó la banda sonora de la película de Louis Malle Ascenseur pour l'échafaud (1958). Con la ayuda de los músicos de sesión franceses Barney Wilen, Pierre Michelot y René Urtreger, y el baterista estadounidense Kenny Clarke, el grupo grabó la partitura sin depender de material escrito e improvisó mientras veían la película en una pantalla en el estudio. Davis regresó a la ciudad de Nueva York en diciembre y revivió su quinteto con un Coltrane que regresaba, ahora limpio de su adicción a las drogas, y Adderley. Ahora un sexteto, el grupo grabó material a principios de 1958 que fue lanzado en Milestones (1958), un álbum que mostró por primera vez el interés de Davis en el jazz modal . Davis había presenciado una actuación de Les Ballets Africains de Guinea, lo que despertó su interés en ese tipo de música, entonces nuevo concepto que exigía un ritmo musical más lento y deliberado y permitía la creación de solos fuera de armonía en lugar de acordes. Esta música del ballet presentaba la kalimba tocada durante largos periodos de tiempo en un solo acorde, zigzagueando entre consonancias y disonancias. Para mayo de 1958, Davis había sustituido a Jones por el baterista Jimmy Cobb y se enfrentó a la salida de Garland del grupo, dejando a Davis al piano en "Sid's Ahead" de Milestones. Davis buscaba un nuevo pianista que pudiera adentrarse en el jazz modal, y lo encontró en Bill Evans, un joven músico blanco con formación clásica. Evans tenía una aproximación única e impresionista al piano, y sus ideas musicales influyeron profundamente en Davis. Sin embargo, tras ocho meses de gira, Evans se sintió agotado y abandonó el grupo a finales de 1958. Fue sustituido por Wynton Kelly, quien aportó un enfoque swing y bluesero que contrastaba con la interpretación más delicada de Evans. Los seis hicieron su debut discográfico en un álbum recopilatorio, Jazz Track (1958).

1957–1963: Colaboraciones con Gil Evans y Kind of Blue A principios de 1957, Davis estaba exhausto de grabar y girar con su quinteto y deseaba emprender nuevos proyectos. Durante una residencia de dos semanas en Chicago en marzo, Davis, de 30 años, comunicó a la prensa su intención de retirarse al finalizarla y reveló las ofertas que había recibido para convertirse en profesor en la Universidad de Harvard y director musical de una discográfica. Avakian coincidió en que era hora de que Davis explorara algo diferente, pero Davis rechazó su sugerencia de volver a su noneto, ya que lo interpretó como un retroceso. Avakian sugirió entonces que Davis trabajara con un conjunto más grande, similar al que había interpretado en Music for Brass (1957), un álbum de música orquestal y con arreglos para metales dirigido por Gunther Schuller, con Davis como solista invitado. Davis aceptó y quiso trabajar con el arreglista y compositor Gil Evans en lo que se convirtió en una colaboración de cinco álbumes entre 1957 y 1962. El primero, Miles Ahead (1957), mostró a Davis tocando un fliscorno y una versión de "The Maids of Cadiz" de Léo Delibes, la primera pieza de música clásica europea que Davis grabó. Evans ideó pasajes orquestales a medida que las transiciones entre cada pista se unían con la edición de estudio, convirtiendo cada cara del álbum en una pieza musical perfecta. Porgy and Bess (1959) presenta arreglos de piezas de la ópera de George Gershwin que incluían a Chambers, Jones y Adderley. Sketches of Spain (1960) exploró la música española con temas de compositores contemporáneos Joaquín Rodrigo y Manuel de Falla con originales de Evans. La grabación se encontró con dificultades, ya que los músicos clásicos no pudieron improvisar según lo deseado por Evans y los músicos de jazz encontraron los arreglos demasiado difíciles. "Solea" incluye un solo de trompeta de 10 minutos de Davis. El álbum fue un éxito de crítica y vendió más de 120.000 copias en Estados Unidos. Davis actuó con una orquesta dirigida por Evans en el Carnegie Hall en mayo de 1961 para recaudar fondos para fines benéficos. El último álbum de la pareja fue Quiet Nights (1962), una colección de bossa novas publicada en contra de su voluntad; Evans declaró que solo era la mitad del álbum y culpó a la discográfica; Davis culpó al productor Teo Macero, con quien no habló durante más de dos años. Davis comentó más tarde: «Mi mejor amigo es Gil Evans»; su trabajo se incluyó en la caja recopilatoria Miles Davis & Gil Evans: The Complete Columbia Studio Recordings (1996), que ganó un premio Grammy al Mejor Álbum Histórico y a las Mejores Notas del Álbum en 1997. En marzo y abril de 1959, Davis grabó lo que muchos críticos consideran su mejor álbum, Kind of Blue (1959). Davis tituló el álbum para describir su atmósfera general. Volvió a llamar a Bill Evans, a meses de formar lo que se convertiría en su propio trío seminal, para las sesiones del álbum, ya que la música se había planeado en torno al estilo pianístico de Evans. Tanto Davis como Evans conocían las ideas del pianista George Russell sobre el jazz modal; Davis, por conversaciones con Russell y otros antes de las sesiones de Birth of the Cool, y Evans, por sus estudios con Russell en 1956. Sin embargo, Davis no informó al pianista Wynton Kelly, entonces pianista, sobre el papel de Evans en las grabaciones; posteriormente, Kelly solo tocó en el tema «Freddie Freeloader» y no estuvo presente en las fechas de abril del álbum. So What y All Blues habían sido interpretadas por el sexteto en presentaciones previas a las sesiones de grabación, pero para las otras tres composiciones, Davis y Evans prepararon estructuras armónicas esquemáticas que los demás músicos vieron por primera vez el día de la grabación, lo que les permitió un enfoque más fresco a sus improvisaciones. El álbum resultante ha demostrado ser muy popular y enormemente influyente. Lanzado en agosto de 1959, Kind of Blue fue un éxito instantáneo, con una amplia difusión en la radio y excelentes críticas. Sigue siendo el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos; en octubre de 2008, el álbum alcanzó el cuádruple platino de la Recording Industry Association of America por vender más de cuatro millones de copias solo en Estados Unidos. En 2009, la Cámara de Representantes de Estados Unidos votó 409-0 a favor de aprobar una resolución que lo honró como tesoro nacional. Durante el éxito de Kind of Blue, Davis se vio involucrado en la ley. El 25 de agosto de 1959, durante una sesión de grabación en el club nocturno Birdland de Nueva York para las fuerzas armadas estadounidenses, Davis se tomó un descanso fuera del club. Mientras acompañaba a una mujer rubia por la acera hacia un taxi, el agente Gerald Kilduff le dijo que "se fuera". Davis explicó que estaba trabajando en el club y se negó a moverse, pero Kilduff procedió a arrestarlo y lo agarró mientras Davis intentaba protegerse. Los testigos dijeron que el agente golpeó a Davis en el estómago con su porra sin provocación. Dos detectives retuvieron a la multitud, mientras que un tercero se acercó a Davis por detrás y lo golpeó en la cabeza. Davis fue arrestado y llevado a la cárcel, donde fue acusado de agredir a un oficial antes de ser trasladado al hospital, donde recibió cinco puntos de sutura. Davis fue puesto en libertad bajo fianza de 525 dólares. Para enero de 1960, Davis fue absuelto de alteración del orden público y agresión en tercer grado. Davis declaró más tarde que el incidente "cambió toda mi vida y toda mi actitud nuevamente, me hizo sentir amargado y cínico nuevamente cuando estaba empezando a sentirme bien acerca de las cosas que habían cambiado en este país". Davis apoyó a Kind of Blue con una gira extendida con su sexteto. Convenció a Coltrane para que tocara con el grupo en una última gira europea en la primavera de 1960. Coltrane luego se fue para formar su cuarteto clásico, aunque regresó para algunas de las canciones del álbum de Davis, Someday My Prince Will Come (1961). Su portada muestra una fotografía de su esposa en ese momento, Frances Taylor, después de que Davis exigiera a Columbia que las futuras portadas de sus álbumes mostraran a mujeres negras. Para 1961, la revista Ebony estimó que Davis ganaba hasta $150,000 al año. Después de Coltrane, Davis probó con varios saxofonistas, incluyendo a Jimmy Heath, Sonny Stitt y Hank Mobley. El quinteto con Hank Mobley fue grabado en el estudio y en varias presentaciones en vivo en el Carnegie Hall y el club de jazz Black Hawk en San Francisco. La interpretación de Stitt con el grupo se puede encontrar en una grabación realizada en Olympia, París (donde Davis y Coltrane habían tocado unos meses antes) y en el álbum Live in Stockholm. A principios de 1958, Davis inició una relación con Frances Taylor, una bailarina a la que había conocido en Los Ángeles cinco años antes, y se casaron el 21 de diciembre de 1960. La relación incluyó numerosos incidentes de violencia doméstica por parte de Davis hacia Taylor. Davis escribió más tarde: «Cada vez que la golpeaba, me sentía mal porque en gran parte no era culpa suya, sino que tenía que ver con mi temperamento y mis celos». Una de las razones de su comportamiento fue que, a principios de 1963, Davis había aumentado su consumo de alcohol y cocaína para intentar reducir el dolor de cadera y articulaciones, y las molestias causadas por su reciente diagnóstico de anemia de células falciformes. También sufría alucinaciones, «buscando a una persona imaginaria» en su casa, hasta el punto de registrarla con un cuchillo de cocina. Aproximadamente una semana después de que se tomara la fotografía para el álbum de Davis, ESP (1965), Taylor dejó a Davis por última vez. Permanecieron separados hasta su divorcio oficial en febrero de 1968.

1963–1968: Segundo "gran quinteto" En diciembre de 1962, Davis y su formación, compuesta por Kelly, Chambers, Cobb y Rollins, tocaron juntos por última vez después de que los tres primeros desearan separarse y formar un trío. Rollins se unió al grupo poco después, lo que obligó a Davis a pagar más de 25.000 dólares para cancelar sus próximos conciertos y formar rápidamente un nuevo grupo. Tras unas audiciones, encontró su nueva banda: el saxofonista tenor George Coleman, el bajista Ron Carter, el pianista Victor Feldman y el baterista Frank Butler, y los cinco se pusieron a grabar en el estudio. Para mayo de 1963, Feldman y Butler fueron reemplazados por el pianista Herbie Hancock y el baterista Tony Williams, de 17 años, quienes volvieron a emocionar a Davis. Con este grupo, Davis completó el resto de lo que se convertiría en Seven Steps to Heaven (1963) y grabó los álbumes en directo Miles Davis in Europe (1964), My Funny Valentine (1965) y Four & More (1966). El quinteto tocó esencialmente el mismo repertorio de melodías y estándares de bebop que habían tocado las bandas anteriores de Davis, pero los abordó con creciente libertad estructural y rítmica y, en el caso del material de ritmo rápido, a una velocidad vertiginosa. A mediados de 1964, Coleman fue reemplazado por el saxofonista Sam Rivers hasta que Davis convenció a Wayne Shorter para que terminara su colaboración con Art Blakey y se uniera a él, convirtiéndose así en lo que se conoce como el segundo "gran quinteto" de Davis, que perduró hasta 1968. Shorter se convirtió en el compositor principal del grupo y el álbum de Davis, ESP (1965), recibió el nombre de una composición suya grabada para él. Durante una gira por Europa, el grupo grabó su primera grabación oficial, Miles in Berlin (1965). A su regreso a Estados Unidos a finales de 1964, Davis, a instancias de Jackie DeShannon, fue clave para que la banda de rock The Byrds firmara con Columbia. Para 1965, Davis requirió atención médica ya que el dolor en su cadera había empeorado desde su gira japonesa del año anterior. Se sometió a una cirugía de reemplazo de cadera en abril de 1965 con hueso extraído de su espinilla, pero fracasó. Después de su tercer mes en el hospital, Davis se dio de alta y se fue a casa por aburrimiento. Sin embargo, regresó al hospital en agosto, después de caerse en su casa causando daños que requirieron una segunda operación con una articulación de cadera plástica insertada. En noviembre de 1965, Davis se había recuperado lo suficiente como para volver a las presentaciones en vivo con su quinteto, que incluyeron conciertos en el Plugged Nickel en Chicago, lo que marcó el regreso de Macero como ingeniero y productor de Davis después de que su disputa sobre Quiet Nights se hubiera curado. A diferencia de sus álbumes de estudio, el quinteto todavía tocaba principalmente estándares de jazz y melodías de bebop, aunque algunos de los títulos siguen siendo los mismos que las melodías tocadas por el primer quinteto de Davis, los tempos rápidos y la desviación musical del marco de la melodía son dramáticos. En enero de 1966, Davis regresó al hospital con una infección hepática que requirió una pausa de tres meses. Se recuperó y reanudó sus giras, presentando más fechas en universidades, ya que se había cansado de actuar en salas de jazz más típicas. El presidente de Columbia, Clive Davis, señaló que en 1966, sus ventas habían disminuido a alrededor de 40.000-50.000 por álbum, en comparación con las 100.000 por lanzamiento de unos años antes. La prensa no mejoró las cosas al informar sobre los aparentes problemas financieros de Davis y su inminente fallecimiento. Tras su participación en el Festival de Jazz de Newport de 1966, Davis regresó al estudio con su quinteto en octubre de 1966, lo que marcó la primera de una serie de sesiones productivas que duraron hasta septiembre de 1968. Durante este tiempo, Davis había iniciado una relación con la actriz Cicely Tyson, quien se convirtió en una influencia positiva en su vida y bienestar mental, y lo ayudó a reducir su consumo de alcohol. El material de las sesiones de 1966-1968 se publicó en Miles Smiles (1966), Sorcerer (1967), Nefertiti (1967), Miles in the Sky (1968) y Filles de Kilimanjaro (1968). El enfoque del quinteto hacia la nueva música se conoció como "tiempo sin cambios", lo que hacía referencia a la decisión de Davis de alejarse de las secuencias de acordes y adoptar un enfoque más abierto, con la sección rítmica respondiendo a las melodías de los solistas. A través de Nefertiti , las grabaciones de estudio consistieron principalmente en originales compuestos por Shorter, con composiciones ocasionales de los demás músicos. En 1967, el grupo comenzó a tocar sus conciertos en directo en sets continuos, donde cada tema se fusionaba con el siguiente, y solo la melodía marcaba alguna línea divisoria. Las bandas de Davis continuarían actuando de esta manera hasta su receso en 1975. Miles in the Sky y Filles de Kilimanjaro —que introdujeron tentativamente el bajo, el piano y la guitarra eléctricos en algunos temas— marcaron el camino hacia la posterior fase de fusión de la carrera de Davis. Davis también comenzó a experimentar con ritmos más rockeros en estos discos. Para cuando se grabó la segunda mitad de Filles de Kilimanjaro, el bajista Dave Holland y el pianista Chick Corea habían reemplazado a Carter y Hancock en la banda, aunque ambos contribuyeron ocasionalmente en futuras sesiones de grabación. Davis pronto comenzó a encargarse de la composición de sus acompañantes.

1968–1975: El período eléctrico En septiembre de 1968, Davis se casó con Betty Mabry, una modelo y compositora de 23 años. El matrimonio terminó en divorcio al año siguiente, pero Mabry, un rostro familiar en la escena de la ciudad de Nueva York y consciente de la creciente audiencia de la contracultura, ayudó a presentarle a Davis a artistas populares de rock, soul y funk y las modas de moda del momento. El crítico de jazz Leonard Feather recordó haber visitado el apartamento de Davis durante esta época y se sorprendió al ver al trompetista escuchar álbumes de The Byrds, Aretha Franklin y Dionne Warwick . Davis también tomó gusto por James Brown, Jimi Hendrix y Sly and the Family Stone. La transición musical requirió que Davis se adaptara a los instrumentos eléctricos tanto en presentaciones en vivo como en el estudio y compusiera música que atrajera al público más joven. El primer paso de Davis en su período eléctrico comenzó con In a Silent Way (1969), grabado en una sola sesión de estudio el 18 de febrero de 1969 con Shorter, Hancock, Holland y Williams junto a los teclistas Chick Corea y Josef Zawinul, y el guitarrista John McLaughlin . El álbum incluye dos temas largos que Macero armó a partir de diferentes tomas grabadas en la sesión que se asemejan a elementos de una forma de sonata clásica. Lanzado en julio de 1969, el álbum recibió una recepción crítica dividida entre los puristas del jazz que acusaron a Davis de "venderse" al público del rock. Sin embargo, alcanzó el número 134 en la lista Billboard Top LPs de EE.UU., el primer álbum de Davis desde My Funny Valentine en llegar a la lista. Marcó el inicio de la entrada de Davis en el jazz fusión. La banda de gira de Davis de 1969-1970, Shorter, Corea, Holland y DeJohnette, nunca completó una grabación de estudio juntos y posteriormente se conoció como el "quinteto perdido". En octubre de 1969, Davis recibió cinco disparos mientras viajaba en su coche con una de sus dos amantes en aquel momento, Marguerite Eskridge. El incidente dejó a Davis con un rasguño y a Eskridge ilesa. Para su siguiente álbum, Davis reunió a un grupo aún más grande de músicos en agosto de 1969, esta vez con el nuevo baterista Jack DeJohnette con Airto Moreira y Bennie Maupin, para grabar el álbum doble Bitches Brew (1970). El álbum presenta composiciones extendidas, algunas de más de 20 minutos de duración, que, como In a Silent Way, nunca se tocaron directamente en el estudio, sino que se formaron a partir de varias tomas de Macero y Davis. Bitches Brew hizo un mayor uso de técnicas de grabación en estudio, incluyendo empalmes, grabación multipista y bucles de cinta; el "Pharaoh's Dance" de 20 minutos contiene 19 ediciones. Tras su lanzamiento en marzo de 1970, Bitches Brew alcanzó el número 35 en la lista Billboard Top LPs y, en 1976, alcanzó la certificación de oro por la RIAA en por 500,000 copias vendidas en los EE.UU. En 2003, había vendido un millón de copias. En marzo de 1970, Davis comenzó a actuar como telonero de varios grupos de rock, lo que permitió a Columbia promocionar Bitches Brew a un público más amplio. Se sintió tan ofendido por la sugerencia de Clive Davis de actuar en el Fillmore East que amenazó con cambiar de discográfica, pero lo reconsideró y compartió cartel con Steve Miller Band y Neil Young el 6 y 7 de marzo. El biógrafo Paul Tingen escribió: «La condición de recién llegado de Miles en este ambiente» provocó «reacciones dispares del público, a menudo teniendo que tocar por tarifas drásticamente reducidas y soportando las acusaciones de «entradas vendidas» del mundo del jazz», además de ser «atacado por sectores de la prensa negra por supuestamente arrodillarse ante la cultura blanca». Las giras de 1970 incluyeron una participación en el Festival de la Isla de Wight de 1970 el 29 de agosto, donde Davis actuó ante unas 600.000 personas, la mayor asistencia de su carrera. Los planes para que Davis grabara con Hendrix fracasaron tras la muerte del guitarrista poco después. Su funeral fue el último al que asistió Davis. Se grabaron varios álbumes en vivo con un sexteto/septeto de transición que incluía a Corea, DeJohnette, Holland, Moreira, el saxofonista Steve Grossman y el teclista Keith Jarrett para Live at the Fillmore East (1970) y Black Beauty (1973). Para 1971, Davis firmó un nuevo contrato con Columbia que le pagaba 100.000 dólares anuales durante tres años, incluyendo regalías. Grabó la banda sonora del documental de 1970 sobre el boxeador de peso pesado Jack Johnson , que contenía dos piezas de 25 y 26 minutos de duración en las que aparecían Hancock, McLaughlin, Sonny Sharrock y el baterista Billy Cobham . La música, publicada en Jack Johnson (1971), fue aclamada por la crítica. Durante este período, Davis se dedicó a crear música para el joven público afroamericano, atraído por el estilo de música popular más comercial y orientado al groove de la época; para noviembre de 1971, DeJohnette y Moreira fueron reemplazados en el conjunto de gira por el baterista Leon "Ndugu" Chancler y los percusionistas James Mtume y Don Alias . El álbum de estudio y en vivo Live-Evil (1971) fue lanzado en el mismo mes y el conjunto de Davis, aunque conservaba el imperativo exploratorio de Bitches Brew , se había transformado en un grupo mucho más orientado al funk. En 1972, el compositor Paul Buckmaster introdujo a Davis en la música del vanguardista alemán Karlheinz Stockhausen, lo que dio lugar a un período de nueva exploración creativa. El biógrafo J.K. Chambers escribió: «El efecto del estudio de Davis sobre Stockhausen fue incontenible... La propia 'música espacial' de Davis muestra la influencia de Stockhausen en la composición». Sus grabaciones e interpretaciones durante este período fueron descritas como «música espacial» por sus fans, Feather y Buckmaster, quienes la describieron como «muchos cambios de humor: pesada, oscura, intensa; definitivamente música espacial». Estas influencias se incorporaron en el álbum de estudio On the Corner (1972), que fusionaba a Stockhausen y Buckmaster con elementos funk, lo que llevó a Davis a invitar a Buckmaster a Nueva York para supervisar la composición y la grabación. Davis declaró que los críticos etiquetaron incorrectamente el álbum y se quejaron de que Colbumia no lo había promocionado al público adecuado, sino a los tradicionalistas del jazz que no lo entendían. En octubre de 1972, Davis se rompió los tobillos en un accidente automovilístico, por lo que tomó analgésicos y cocaína para sobrellevar el dolor y adormecerlo. Al reflexionar sobre su carrera después del incidente, Davis escribió: «Todo empezó a desdibujarse». Tras grabar On the Corner, Davis formó un nuevo grupo en 1972 con Henderson, Mtume, Carlos Garnett, el guitarrista Reggie Lucas , el organista Lonnie Liston Smith, el tablaista Badal Roy , el sitarista Khalil Balakrishna y el baterista Al Foster . Era inusual que solo Smith fuera un importante instrumentista de jazz; como resultado, la música enfatizaba la densidad rítmica y las texturas cambiantes en lugar de los solos individuales. Este grupo se grabó en vivo para In Concert (1973), pero a Davis no le pareció satisfactorio, lo que lo llevó a dejar el tabla y el sitar, asumir las tareas de teclado y añadir al guitarrista Pete Cosey. El álbum recopilatorio de estudio Big Fun (1974) contiene cuatro largas improvisaciones grabadas entre 1969 y 1972, incluyendo "He Loved Him Madly", un tributo a Duke Ellington. La actividad de estudio de Davis en la década de 1970 culminó con sesiones a lo largo de 1974 para el álbum recopilatorio Get Up with It (1974). Después, se concentró en las presentaciones en vivo con una serie de conciertos que Columbia publicó en los álbumes dobles en vivo Agharta (1975), Pangaea (1976) y Dark Magus (1977). Los dos primeros son grabaciones de dos sets del 1 de febrero de 1975 en Osaka, cuando Davis ya padecía neumonía, osteoartritis, anemia falciforme, depresión, bursitis y úlceras estomacales, y dependía del alcohol, la codeína y la morfina para superar sus compromisos. Sus conciertos dividían al público y eran constantemente destrozados por la crítica, que citaba la tendencia del trompetista a tocar de espaldas al público. Sin embargo, Cosey afirmó posteriormente que «la banda realmente avanzó después de la gira japonesa», que incluyó una gira por Estados Unidos como teloneros de Hancock, durante la cual Davis fue hospitalizado nuevamente por sus úlceras y una hernia. Después de su aparición en el Festival de Jazz de Newport de 1975 en julio y en el Festival de Música Schaefer de la ciudad de Nueva York el 5 de septiembre, Davis comenzó un período de cinco años de inactividad musical.

1975–1980: Pausa En su autobiografía, Davis escribió abiertamente sobre su estado mental durante su pausa en la actividad, describiendo su apartamento en Nueva York como un desastre, su consumo excesivo de drogas y alcohol, y sus encuentros sexuales con numerosas mujeres. En diciembre de 1975, recuperó la fuerza suficiente para someterse a una muy necesaria operación de reemplazo de cadera. En marzo de 1976, la revista Rolling Stone informó sobre rumores de su inminente fallecimiento, citando sus numerosos problemas de salud durante su gira anterior y su estilo de vida. En diciembre de 1976, Davis renovó su contrato discográfico con Columbia por tres años, pero el sello discográfico se mostró inicialmente reacio a pagar los cuantiosos anticipos habituales que le habían otorgado en sus contratos anteriores. Esto llevó al abogado de Davis a entablar negociaciones con United Artists Records, lo que provocó que Columbia igualara la oferta del sello rival y cerrara el acuerdo. Posteriormente, establecieron el Fondo Miles Davis, que a partir de entonces le pagaría al trompetista regularmente. El pianista Vladimir Horowitz fue el único otro artista de Columbia que tuvo tal estatus con el sello. Columbia lanzó una serie de álbumes recopilatorios para cumplir con las obligaciones contractuales, incluidos Water Babies (1976) y Circle in the Round (1979). A principios de 1978, Davis se mudó con Elena Steinberg en Norwalk, Connecticut después de que su amiga, la reportera musical Julie Coryell, consiguiera una entrevista con el trompetista y quisiera que lo cuidaran hasta recuperar la salud. Después de trabajar en algo de música nueva, incluyendo una melodía coescrita por él y el guitarrista Barry Finnerty, Davis consiguió que el esposo de Coryell, el guitarrista de fusión Larry Coryell, desarrollara su trabajo que se grabaría el 2 de marzo de 1978 con una formación formada por Coryell, los teclistas Masabumi Kikuchi y George Pavlis, el bajista TM Stevens y el baterista Al Foster. Davis procedió a tocar la pieza arreglada de forma acelerada, abandonó su trompeta por el órgano e hizo que Macero grabara la sesión sin el conocimiento de la banda. Después de que Coryell rechazara un lugar en una banda que Davis estaba comenzando a formar, Davis regresó a su estilo de vida solitario en la ciudad de Nueva York. Poco después, Eskridge mandó a la cárcel a Davis por no pagar la manutención de su hijo, lo que le costó 10.000 dólares en libertad bajo fianza. Otra sesión de grabación con Buckmaster y Gil Evans fue cancelada, y Evans se marchó tras no recibir la compensación prometida. En agosto de 1978, Davis dio un paso hacia su regreso al contratar a Mark Rothbaum, quien había trabajado para él desde 1972, como su nuevo representante. En 1979, Davis figuró en la encuesta anual de los diez mejores trompetistas de Down Beat. Para 1979, Davis reanudó su relación con la actriz Cicely Tyson, con quien superó su adicción a la cocaína y recuperó su pasión por la música. Se casaron el 26 de noviembre de 1981 en una ceremonia celebrada en la casa de Bill Cosby en Massachusetts, oficiada por el político y activista de derechos civiles Andrew Young; el matrimonio terminó en divorcio, que se formalizó en 1989. En octubre de 1979, el contrato de Davis con Columbia estaba en negociaciones. Para entonces, el presidente del sello Clive Davis fue reemplazado por George Butler, quien había visitado su casa varias veces durante los dos años anteriores para animarlo a volver al estudio a grabar nuevo material. Para mejorar su situación, Davis invitó a Buckmaster a colaborar en nueva música. A su llegada, Buckmaster organizó una intervención para el trompetista, quien para entonces vivía en la miseria, entre plagas y cucarachas, en la oscuridad, con las cortinas siempre cerradas. Su hermana Dorothy se encargó de limpiar su casa con la ayuda de Buckmaster, Tyson y su vecino Chaka Khan; Davis más tarde agradeció a Buckmaster por su ayuda.

1980–1985: Resurgimiento Davis no había tocado la trompeta durante la mayor parte de tres años y encontró difícil el proceso de recuperar la embocadura . Su primera aparición en el estudio desde su pausa tuvo lugar el 1 de mayo de 1980. Un día después, Davis fue hospitalizado durante un mes por una infección en la pierna. Davis luego grabó The Man with the Horn (1981) de junio de 1980 a mayo de 1981, con Macero asumiendo su papel de productor. El álbum ve a Davis tocando principalmente wah-wah con una banda más joven y más grande. La gran banda inicial finalmente fue abandonada en favor de un combo más pequeño que incluía al saxofonista Bill Evans, que no debe confundirse con el pianista Bill Evans, y al bajista Marcus Miller, quienes estarían entre los colaboradores más habituales de Davis a lo largo de la década. The Man with the Horn recibió una pobre recepción crítica a pesar de venderse bastante bien. A principios de junio de 1981, Davis regresó al escenario, por primera vez desde 1975, para un solo invitado de diez minutos como parte de la banda y orquesta de Mel Lewis en el Village Vanguard , Nueva York. Esto fue seguido por apariciones con una nueva banda, incluyendo una temporada de cuatro noches en Kik en Boston del 26 al 29 de junio, seguida de dos espectáculos en Avery Fisher Hall el 5 de julio como parte del Kool Jazz Festival. Grabaciones de una mezcla de fechas de 1981, incluyendo los conciertos de Kix y Avery Fisher Hall, fueron lanzadas en We Want Miles (1982), que le valió a Davis un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de Jazz por un Solista. En enero de 1982, mientras Tyson trabajaba en África, Davis se descontroló con el alcohol y sufrió un derrame cerebral que le paralizó temporalmente la mano derecha. Tyson regresó a casa y lo cuidó; tras tres meses de tratamiento con un acupunturista chino, Davis pudo tocar la trompeta, tras lo cual hizo caso a las advertencias de su médico y comenzó un estilo de vida libre de alcohol y drogas. Le atribuye a Tyson su recuperación, que incluyó ejercicio regular, tocar el piano y visitar spas, aunque logró bajar de peso. Tyson también animó a Davis a dedicarse al dibujo, por el que el trompetista desarrolló una afición particular, y se dedicó al arte durante el resto de su vida. Davis reanudó sus giras en mayo de 1982 con una formación que incluía al percusionista francés Mino Cinelu y al guitarrista John Scofield, con quien trabajó estrechamente en su álbum de estudio Star People (1983). A mediados de 1983, mientras trabajaba en las pistas de Decoy, un álbum que mezclaba música soul y electrónica que se lanzó en 1984, Davis trajo al productor, compositor y teclista Robert Irving III , quien anteriormente había colaborado con él en The Man with the Horn . Con una banda de siete integrantes, que incluía a Scofield, Evans, el teclista y director musical Irving, el baterista Al Foster y el bajista Darryl Jones (más tarde de los Rolling Stones), Davis realizó una serie de conciertos europeos con recepciones positivas. En diciembre de 1984, durante su estadía en Dinamarca, Davis recibió el Premio de Música Léonie Sonning . Durante el evento, el trompetista danés Palle Mikkelborg compuso una pieza clásica contemporánea titulada "Aura", que impresionó a Davis hasta el punto de regresar a Dinamarca a principios de 1985 para grabar su siguiente álbum de estudio, Aura (1989). Sin embargo, Columbia no quedó satisfecha con la grabación y retrasó su lanzamiento cuatro años. En mayo de 1985, tras un mes de gira, Davis firmó un nuevo contrato discográfico con Warner Bros. Records, que incluía la cesión de todos sus derechos editoriales. El trompetista Wynton Marsalis desestimó públicamente las grabaciones de fusión más recientes de Davis, calificándolas de "jazz 'auténtico'", comentarios que Davis inicialmente restó importancia, calificando a Marsalis de "un joven agradable, solo que confundido". Esto cambió después de que Marsalis apareciera, sin previo aviso, en el escenario durante la actuación de Davis en la inauguración del Festival Internacional de Jazz de Vancouver en 1986. Marsalis le susurró al oído a Davis que "alguien" se lo había ordenado. Davis respondió ordenándole que bajara del escenario. Davis estaba cada vez más irritado por el retraso de Columbia en el lanzamiento de Aura . El punto de ruptura en la relación entre el sello y el artista parece haber llegado cuando un productor de jazz de Columbia le pidió a Davis que le hiciera una visita de buena voluntad por su cumpleaños. La gira de 1985 incluyó una actuación en Londres en julio, en la que Davis permaneció cinco horas en el escenario. El crítico de jazz John Fordham concluyó: «Es evidente que el líder lo está disfrutando». Para 1985, Davis era diabético y necesitaba inyecciones diarias de insulina. Davis lanzó su último álbum para Columbia, You're Under Arrest, en septiembre de 1985. Incluyó otro breve cambio de estilo, esta vez con sus interpretaciones de la balada de Cyndi Lauper "Time After Time" y el éxito pop de Michael Jackson "Human Nature". Davis consideró lanzar un álbum completo de canciones pop y grabó docenas de ellas, pero la idea fue descartada. Davis señaló que muchos de los estándares de jazz aceptados hoy en día eran, de hecho, canciones pop de Broadway, y que simplemente estaba actualizando el repertorio de "estándares" con material nuevo. En 1985, Davis también participó como estrella invitada en el programa de televisión Miami Vice, interpretando al proxeneta y delincuente menor Ivory Jones en el episodio titulado "Junk Love" (emitido por primera vez el 8 de noviembre de 1985). Davis colaboró con varias figuras del post-punk y la nueva ola británicos durante este período, incluyendo a Scritti Politti. Por invitación del productor Bill Laswell, grabó algunas partes de trompeta durante las sesiones del álbum de Public Image Ltd., según John Lydon de Public Image en las notas de su caja recopilatoria Plastic Box. Sin embargo, en palabras de Lydon, «curiosamente, no usamos [sus contribuciones]». Según Lydon en las notas de Plastic Box, Davis comparó favorablemente la voz de Lydon con su sonido de trompeta durante estas sesiones.

1986–1991: Últimos años Tras participar en la grabación de la canción de protesta de 1985 « Sun City » como miembro de Artists United Against Apartheid , Davis colaboró en el instrumental «Don't Stop Me Now» de Toto para su álbum Fahrenheit (1986). Para su siguiente álbum de estudio, Davis pretendía grabar en colaboración con el artista pop Prince, pero el proyecto pronto se abandonó. En su lugar, Davis optó por trabajar con el multiinstrumentista Marcus Miller . El álbum resultante, Tutu (1986), fue el primero de Davis en utilizar herramientas de estudio modernas, como sintetizadores programados, sampling y loops de batería, para crear una ambientación completamente nueva para su música. Lanzado en septiembre de 1986, su portada presenta un impactante retrato de Davis realizado por Irving Penn. El álbum fue descrito como la versión moderna de Sketches of Spain y, en 1987, Davis ganó su segundo de tres premios Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de Jazz, Solista. En 1988, Davis tuvo un pequeño papel como músico callejero en la película de comedia navideña Scrooged, protagonizada por Bill Murray. En noviembre de 1988, fue incluido en los Caballeros de Malta en una ceremonia en el Palacio de la Alhambra en España. Más tarde ese mes, Davis interrumpió su gira europea después de colapsar y desmayarse después de un espectáculo de dos horas en Madrid y voló a casa. Los rumores sobre la salud de Davis se hicieron públicos después de que la revista sensacionalista estadounidense Star, en su edición del 21 de febrero de 1989, publicara que Davis había contraído SIDA, lo que llevó al representante de Davis, Peter Shukat, a emitir un comunicado al día siguiente para negar la afirmación. Shukat reveló que Davis había estado en el hospital por un caso leve de neumonía y la extirpación de un pólipo benigno en sus cuerdas vocales, pero que descansaba cómodamente en preparación para sus giras de 1989. Davis luego culpó a una de sus ex esposas o novias por iniciar el rumor y decidió no emprender acciones legales. En 1989, Davis fue entrevistado en 60 Minutes por Harry Reasoner. En octubre de 1989, Davis recibió la Grande Medaille de Vermeil del alcalde de París, Jacques Chirac. En 1990, Davis recibió un Grammy a la trayectoria. A principios de 1991, apareció en la película de Rolf de Heer, Dingo, como músico de jazz. En la secuencia inicial de la película, Davis y su banda aterrizan inesperadamente en una remota pista de aterrizaje en el interior de Australia y comienzan a tocar para los sorprendidos lugareños. Davis siguió a Tutu con Amandla (1989), otra colaboración con Miller y George Duke más las bandas sonoras de cuatro películas: Street Smart, Siesta, The Hot Spot (con el bluesman John Lee Hooker) y Dingo. Continuó de gira a fines de la década de 1980 con una banda de personal en constante rotación. Los últimos álbumes de Davis, ambos lanzados póstumamente, fueron el álbum de estudio con influencia de hip hop Doo-Bop (1992) y Miles & Quincy Live at Montreux (1993), una colaboración con Quincy Jones para el Festival de Jazz de Montreux de 1991 donde, por primera vez en tres décadas, Davis interpretó canciones de Miles Ahead, Porgy and Bess y Sketches of Spain. Algunos oyentes y críticos que habían estado decepcionados con su último período experimental se alegraron de que su carrera terminara de esa manera. El 8 de julio de 1991, Davis volvió a interpretar material de su pasado en el Festival de Jazz de Montreux de 1991 con una banda y orquesta dirigidas por Quincy Jones. El set consistió en arreglos selectos de sus álbumes grabados con Gil Evans. El espectáculo fue seguido por un concierto anunciado como Miles and Friends en la Grande halle de la Villette en París celebrado dos días después, con actuaciones especiales de artistas con los que había trabajado a lo largo de su carrera, incluidos John McLaughlin, Herbie Hancock y Josef Zawinul. Durante su estancia en París, Davis fue galardonado con el Chevalier de la Legión de Honor. Tales conciertos retrospectivos que Davis acordó hacer en un corto espacio de tiempo llevaron al argumento de que el trompetista sabía que estaba muriendo, pero su road manager Gordon Meltzer creía que Davis lo ignoraba. Una semana después de París, Davis y su grupo actuaron en el Festival de Jazz de Niza, seguido de un espectáculo en Londres el 19 de julio. A su regreso a los EE. UU., hizo una escala en la ciudad de Nueva York para grabar material para su próximo álbum, Doo-Bop, y regresó a California, donde tocó en el Hollywood Bowl el 25 de agosto, su última actuación en vivo.

Muerte A principios de septiembre de 1991, Davis ingresó en el Hospital St. John's, cerca de su casa en Santa Mónica, California, para someterse a pruebas de rutina. Durante su estancia, los médicos le sugirieron que se le implantara un tubo traqueal para facilitar su respiración tras sus repetidos episodios de neumonía bronquial. Esto provocó un ataque de ira en Davis que derivó en una hemorragia cerebral, seguida de un coma. Tras varios días con soporte vital, la máquina de Davis fue desconectada y falleció el 28 de septiembre de 1991. Davis tenía 65 años. Oficialmente, su muerte se atribuyó a la combinación de un derrame cerebral, neumonía e insuficiencia respiratoria. Según Troupe, Davis tomaba azidotimidina (AZT), un tipo de fármaco antirretroviral utilizado para el tratamiento del VIH y el sida, durante sus tratamientos en el hospital. El funeral se celebró el 5 de octubre de 1991 en la iglesia de San Pedro de la ciudad de Nueva York, al que asistieron unos 500 amigos, familiares y conocidos músicos, con muchos fans de pie afuera bajo la lluvia. Davis fue enterrado en el cementerio Woodlawn en el Bronx , Nueva York, con una de sus trompetas, cerca del sitio de su compañero músico de jazz y su primer ídolo, Duke Ellington.

Opiniones sobre su obra anterior Más tarde en su vida, desde el "período eléctrico" en adelante, Davis explicó repetidamente sus razones para no querer interpretar sus obras anteriores, como Birth of the Cool o Kind of Blue . En su opinión, permanecer estilísticamente estático era la opción equivocada. Comentó: ""So What" o Kind of Blue , se hicieron en esa época, en el momento justo, el día justo, y sucedió. Se acabó [...] Lo que solía tocar con Bill Evans, todos esos modos diferentes y acordes sustitutos, teníamos la energía entonces y nos gustaba. Pero ya no le encuentro sentido, es más como pavo recalentado". Cuando Shirley Horn insistió en 1990 en que Miles reconsiderara tocar las baladas y melodías modales de su período Kind of Blue, él se negó. "No, me duele el labio", fue la razón que dio. Otros músicos lamentaron el cambio de estilo de Davis; por ejemplo, Bill Evans, quien fue clave en la creación de Kind of Blue, dijo: «Me gustaría escuchar más del consumado maestro melódico, pero siento que las grandes empresas y su compañía discográfica han tenido una influencia corruptora en su material. El rock y el pop sin duda atraen a un público más amplio. Hoy en día, sucede cada vez con más frecuencia que personas no cualificadas con puestos ejecutivos intentan decirles a los músicos qué es buena y qué es mala música».

Legado e influencia Davis es considerado una de las figuras más innovadoras, influyentes y respetadas de la historia de la música. The Guardian lo describió como "un pionero de la música del siglo XX, que lideró muchos de los desarrollos clave en el mundo del jazz". Se le ha descrito como "uno de los grandes innovadores del jazz", y se le otorgaron los títulos de Príncipe de las Tinieblas y Picasso del Jazz. La Enciclopedia del Rock & Roll de Rolling Stone señaló: "Miles Davis desempeñó un papel crucial e inevitablemente controvertido en cada gran desarrollo del jazz desde mediados de los años 40, y ningún otro músico de jazz ha tenido un impacto tan profundo en el rock. Miles Davis fue el músico de jazz más reconocido de su época, un crítico social abierto y un referente de estilo —en actitud y moda—, así como en la música". William Ruhlmann, de AllMusic, escribió: «Examinar su carrera es examinar la historia del jazz desde mediados de la década de 1940 hasta principios de la de 1990, ya que estuvo en el epicentro de casi todas las innovaciones y desarrollos estilísticos importantes de la música durante ese período [...]. Incluso se podría argumentar que el jazz dejó de evolucionar cuando Davis no estuvo presente para impulsarlo». Como director de orquesta y compositor innovador, Miles Davis ha influido en muchos músicos y bandas notables de diversos géneros. La influencia de Miles en quienes tocaron con él ha sido descrita por el escritor musical Christopher Smith de la siguiente manera: El interés artístico de Miles Davis residía en la creación y manipulación del espacio ritual, donde los gestos podían dotarse de un poder simbólico suficiente para formar un vocabulario comunicativo funcional y, por ende, musical. [...] La tradición interpretativa de Miles enfatizaba la oralidad y la transmisión de información y perspicacia artística de individuo a individuo. Su posición en dicha tradición, así como su personalidad, talento e intereses artísticos, lo impulsaron a buscar una solución singularmente individual a los problemas y las posibilidades experienciales de la actuación improvisada. Su enfoque, que se debe en gran medida a la tradición interpretativa afroamericana que se centraba en la expresión individual, la interacción enfática y la respuesta creativa a contenidos cambiantes, tuvo un profundo impacto en generaciones de músicos de jazz. Kind of Blue sigue siendo el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos. El 5 de noviembre de 2009, el representante estadounidense John Conyers, de Michigan, promovió una medida en la Cámara de Representantes de Estados Unidos para reconocer y conmemorar el álbum en su 50.º aniversario. La medida también afirma el jazz como un tesoro nacional y alienta al gobierno de Estados Unidos a preservar y promover el arte de la música jazz. Fue aprobada por unanimidad, con 409 votos a favor y 0 en contra, el 15 de diciembre de 2009. La trompeta que Davis usó en la grabación se exhibe en el campus de la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro. Fue donada a la institución por Arthur "Buddy" Gist, quien conoció a Davis en 1949 y se convirtió en un gran amigo. Esta donación fue la razón por la que el programa de jazz de la UNCG se llama Programa de Estudios de Jazz Miles Davis. En 1986, el Conservatorio de Nueva Inglaterra le otorgó a Davis un Doctorado Honoris Causa por sus extraordinarias contribuciones a la música. Desde 1960, la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (NARAS) lo distinguió con ocho Premios Grammy, un Premio Grammy a la Trayectoria y tres Premios Grammy del Salón de la Fama. En 2001, un documental de dos horas de Mike Dibb titulado The Miles Davis Story (Dibb Directions/Channel 4 Television) ganó un Premio Emmy internacional al documental artístico del año. En 2010, Moldejazz estrenó una obra llamada Driving Miles , que se centraba en un concierto histórico que Davis realizó en Molde, Noruega, en 1984. Miles Ahead es una película musical estadounidense de 2015 dirigida por Don Cheadle , coescrita por Cheadle con Steven Baigelman , Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson , que interpreta la vida y las composiciones de Davis. Se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York en octubre de 2015. Protagonizada por Cheadle, la película también cuenta con Emayatzy Corinealdi como Frances Taylor y un reparto que incluye a Ewan McGregor , Michael Stuhlbarg y Lakeith Stanfield. (alchetron)